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Desde mi cielo

Sun, 14 Mar 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * )

Cuando uno pierde a alguien que ama, la vida se detiene. Por unos días (o semanas, o meses) se camina con el pecho rebosado, a punto de estallar, como si nos pesara el aire. Y muchas veces nos preguntamos: ¿qué sentirá aquel a quien amamos?, ¿sabrá que estamos sufriendo por él?, ¿pensará en nosotros donde quiera que esté?

Con ese tipo de respuestas nos encontrábamos al leer “The lovely bones”, el hermoso libro de Alice Sebold que se convirtió en un best seller en el 2002 y que describía los días y años que siguieron a la violación y muerte de Susie Salmon, la hija mayor de una familia como cualquier otra en los Estados Unidos de los años setenta. Y el gran acierto de la novela, lo que la volvería famosa, es que quien nos contaba la historia era la misma Susie, desde el cielo. Su cielo: un lugar especial donde podía ser la narradora omnisciente de todo lo que le pasaba a su familia, a sus vecinos y por supuesto, a su asesino.

Lo mejor del libro era su tono. Con impresionante verosimilitud, uno sentía que la voz que narraba de verdad tenía 14 años, porque pasaba sin mucho esfuerzo de burlarse un poco de las cosas que ocurrían con su abuela alcohólica cuando los visitaba, a recordar con algo de melancolía las conversaciones que había tenido con sus padres años antes, para saltar a la experiencia dramática de verse a sí misma siendo violada por el vecino que la mató. Todo con la despreocupación y desfachatez de la adolescencia. Aunque se hacía hincapié en que ese cielo era perfecto para ella, porque estaba hecho a la medida de sus deseos y sus sueños, lo más importante era lo que sucedía entre los vivos: el sufrimiento de quienes la amaron, los cambios que esa muerte generaría en ellos, cambiándoles también su destino.

El mayor problema con las adaptaciones literarias es que hay sensaciones propias de la literatura que el cine es incapaz de adaptar. ¿Cómo recrear un monólogo interior larguísimo de un personaje sin recurrir a la voz en off o al flashback? ¿Qué hacer para resumir páginas vitales de diálogo que hasta el más ágil tarda en leer diez minutos, en una secuencia de 40 segundos? Irremediablemente muchas cosas se pierden en el traslado pero la única cosa por la que un cineasta debe preocuparse es que esa abstracción que llamamos “el espíritu” de una obra, llegue a sentirse en el nuevo formato. Y por desgracia, en este caso, todo lo que era memorable en el libro ha desaparecido en la película o ha sido tratado como si fuera un aditamento prescindible.

La tarea era complicada. Susie Salmon en el libro nos habla desde un presente donde su asesinato ocurrió hace un tiempo, y durante el resto del texto ella puede irse al pasado o al futuro para darnos detalles de algún personaje específico o de una parte de la historia que había olvidado. La película, que buscaba una recepción masiva entre personas que no hubieran leído la novela, se narra de forma convencional, en una línea temporal cronológica. Y uno podría decir que eso no tiene por qué afectar el resultado… pero lo hace. Porque ese tipo de estructura, en zig-zag, yendo de aquí a allá, es la que logra sorprendernos a lo largo de la lectura. La que nos pone de su lado cuando recuerda algún momento especial vivido con sus padres o una anécdota que parece no venir al caso pero que se revela imprescindible dos renglones después.

Pero además de los desaciertos del guión el enfoque de la película falla estrepitosamente porque Jackson decidió centrar demasiado su atención en el cielo de Susie. Sí, en el libro nos convencen de que es maravilloso y que es como un premio por todo lo que perdió al morir. Pero si la responsabilidad era optimizar el tiempo para contar lo más importante, la parte del cielo era secundaria. El problema es que Jackson, engolosinado consigo mismo (tanto que hay un homenaje a El señor de los anillos, que aparece como libro de gran formato en la vitrina de una librería) y con su talento para componer imágenes bellas, olvida que éstas valen la pena cuando sirven para desarrollar las tramas de los personajes. Si no, como en este caso, son sólo juegos pirotécnicos que se lanzan de día.

La despreocupación por el destino de sus personajes puede explicar los evidentes errores de casting con los que carga The lovely bones, a pesar de que la elección de Saoirse Ronan como Susie era perfecta. Por ejemplo, con todo lo que ha mejorado en los últimos años, Mark Wahlberg sigue siendo un actor limitado, especialmente para un drama como éste, donde su personaje tiene que transformarse emocionalmente a lo largo de la película y teniendo que ser la contraparte de una intérprete destacada, como Rachel Weisz. Uno simplemente no le cree, cuando se supone que está viviendo la tragedia de la desaparición de su hija. Y Susan Sarandon como la abuela es un verdadero desperdicio, pues toda la carga emocional que tiene su personaje en la novela se ve reducida acá a unas viñetas “graciosas” que ni le quitan ni le ponen a lo que se ve.

Porque ese es otro problema: el tono de The lovely bones no se define nunca. Lo que en el libro es el vaivén de pensamiento normal en un adolescente, aquí es un péndulo que nos confunde como espectadores: ¿estamos viendo un drama familia para enternecernos?, ¿o es una comedia costumbrista? ¿O como creemos al final, estamos ante una mezcla de horror con película de fantasía?

Lo peor de todo es que en lo que podó Jackson del libro se fueron algunos de los momentos más estremecedores de la historia, como los golpes que la vida le da a los padres de Susie, el resto de la existencia del asesino (un magnífico Stanley Tucci, por cierto) o lo que de verdad pasa cuando trata de acercarse al joven del que estaba enamorada. El único consuelo es que la película a lo mejor anime a muchas personas a leer el libro

En una escena, como ya es costumbre, Peter Jackson hace un cameo. En este caso está sosteniendo una cámara, distraído de lo que pasa a su alrededor. No hay mejor metáfora para señalar lo que pasó en The lovely bones. Mientras la historia se le deshacía frente a su nariz, Jackson decidió concentrarse sólo en lo visual. Y olvidó que por mucho que creamos en el cielo, es lo que pasa acá, junto a los vivos que extrañan a quienes aman, lo que más debe importarnos.

Alicia en el país de las maravillas

Tue, 09 Mar 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Juan Camilo Acevedo

La idea de que Tim Burton haga una versión de Alicia en el país de las maravillas puede sonar coherente, hasta emocionante. La estética que ha generado Tim Burton a lo largo de su carrera –eso, que algunos fans alucinados llaman mundo-, pareciera ser compatible con la aventura literaria del diácono Dogdson, también conocido como Lewis Carroll. Pero la emoción dura hasta que la película empieza, se reactiva brevemente cuando la Alicia adolescente de Burton entra en la madriguera del conejo, y se desvanece poco a poco a lo largo de la cinta.

La película no se presenta como una versión, sino como una continuación del libro. Alicia es ahora una adolescente, ni muy sexy, ni completamente inocente (el casting parece testarudamente meticuloso en esto), que se enfrenta a un matrimonio por conveniencia en un contexto victoriano o, mejor, en lo que el director de California entiende por contexto victoriano. El cuento de Burton es que Alicia ha tenido recurrentemente un sueño, o pesadilla, desde que era una chiquilla (chiquilla que se nos presenta como la Alicia de la otra película de Disney). Ese sueño es el que narra Carroll en su texto o, al menos, así lo podemos intuir. El día en que Alicia debe aceptar públicamente su compromiso ve al conejo blanco, lo cuál le da una excusa para huir y, corriendo frenéticamente, viene a caer en la madriguera del gazapo y con ello al mundo del sueño recurrente. En ese momento ese mundo es gobernado despóticamente por la reina roja y Alicia, la elegida (así la presenta el californiano, como un Neo en Matrix), después de un viaje de autosuperación y maduración logra destruir al Jabberwocky, último sustento del poder de la reina roja, reestableciendo de este modo el amable reinado de la reina blanca. Alicia vuelve del mundo del sueño, que a lo largo de la película se ha materializado en algo más que eso, como en un universo paralelo tipo Narnia (con todo lo malo que esto implica, moralismo, maniqueísmo, melodramismo, etc), y rechaza su matrimonio por conveniencia. Por todo esto es que la película es fofa y aburrida, porque se nos convierte en un cuento de hadas tipo Narnia, sólo que adolescentoide y lindando con el Sci-Fi, y con la estética pesadillesca de Burton que, si bien es muy agradable visualmente, esta vez no logra salvar los errores comunes del mítico director del remake del Planeta de los Simios.

Lo que encaja tan bien en el mundo de la sub-urbia americana, como en las excelentes Beetle Juice y Eduardo manos de tijera, parece postizo en el XIX inglés. Quizá porque se usa la misma estética en contextos tan distintos, quizá porque la burla que hace de la sociedad victoriana es trivial, quizá porque Burton tomó la historia y los personajes de una novela y los lleva a un cuento de hadas épico en el que se desdibujan y pierden fuerza (ni siquiera los salva los conflictos que Burton les impone), o quizá porque la película no logra ser fiel a sí misma e intenta integrar más elementos de los que puede: el producto es chimbo y no logra ser más que otra película reciente de Tim Burton en dónde pesa más el equipo, la estética, el nombre del director, que la historia y los personajes. Un dvd más en la colección de un director de culto.

http://juanca.tumblr.com

Zona de miedo

Tue, 02 Mar 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: José Fernando Flórez

(* ½)

Si Avatar tiene alguna competencia en los Oscar, claramente no es The hurt locker. Hablo en términos de calidad del cine, no del número de nominaciones a estatuillas, que es algo tan arbitrario como las millonarias ventas de Paulo Coelho, el Nóbel de Paz para un presidente en guerra, o esta reseña. Zona de miedo no sólo no merece sus nueve nominaciones, sino que es una mala película, si acaso llega a ser una.

Lo que empieza bien, generando una expectativa importante a partir de un epígrafe afortunado (“The rush of battle is often a potent and lethal addiction, for war is a drug”, Chris Hedges) que anuncia lo que pretende ser el filme: una metáfora de la violencia como vicio, como droga, idea que se hizo universal con Tolstoi, pronto se desvanece en una sucesión casi rutinaria (una media docena si conté bien —¡terminé contando!—) de secuencias de desactivación de explosivos de un hombre sin miedo a la muerte, el Sargento William James (Jeremy Renner), con el corazón dormido, que ocasionalmente se despierta por la tragedia de un “niño iraquí bomba” o una llamada a su esposa, sólo para volver a dormirse. El personaje me recuerda, por lo artificial, al paródico Kirk Lazarus de Tropic thunder (2008), que corre por el campo de batalla sonriendo y disparando sin siquiera agacharse para cubrirse de las balas.

Al cabo de la segunda “misión” (o “stage”, o “level”) de desactivación, ya no estamos en una película, sino en un juego de guerra de Xbox 360. Hermosa ironía: tempranamente uno de los protagonistas aparece jugando Gears of war y nos corrobora que esto, más que otra cosa, es un videojuego. Se habría ahorrado mucho dinero si la película continuara enfocando la pantalla del televisor. Los personajes y las escenas parecen M&M’s de lindos y conocidos colores: además de James, el valiente y temerario cowboy, están el cobarde e inexperto soldado Eldridge y el cauteloso, racional y calculador Sargento Sanborn; una escena de francotiradores, otra de trago y gresca entre soldados, y la llamada muda a la familia desde el cuartel, completan el paquete (¿faltó algún lugar común?). Al final se desdibujan tanto los personajes y el supuesto mensaje, que la directora debe recurrir a la explicitud en los parlamentos: el cobarde, mientras lo evacuan herido en un helicóptero, le reclama al temerario que por su culpa y adicción al peligro, ahora tiene el fémur astillado en nueve partes. Una buena película no tiene que “decir” su mensaje poniéndolo en boca de sus personajes, o en epígrafes. Simplemente lo transmite.

Aunque los recurrentes cambios de cámara, de la macro a la micro, de la clásica a la documental, intentan aumentar el suspenso, nunca lo logran. Éxito tuvieron en ello The Blair witch project (1999), Rec (2007) o inclusive Paranormal activity (2007), con mucha menos plata. Y es que se supone que uno de los méritos de esta película independiente es que costó “apenas” once milloncitos de dólares. Y ése es el gran argumento con el que uno de los productores, Nicolas Chartier, violando el reglamento, le rogó a la Academia hace poco que le diera el Oscar.

Pero avancemos el análisis político del filme, pues en principio se trata de uno “de guerra”, es decir, de uno donde suele hacerse manifiesta la “Hollywood’s political agenda”. Aunque los medios dominantes lo presentaron como un producto políticamente neutro, para algunos críticos resultó de izquierda: ““War is a drug.” Drugs are bad. Thus, war is bad. This is a left-wing film. End of story. Witness the first five seconds of the movie and read the epigraph; if you still have the audacity to trumpet its neutrality, you should be committed to an insane asylum or the newsroom at MSNBC”, escribe Alexander Marlow. Es evidente que Marlow debe repasar sus nociones de izquierda, así como John Nolte, en cambio, tiene mucha razón cuando cuenta que, a pesar de que varios de sus creadores en una entrevista parecían creer sinceramente que el suyo era “an apolitical action film”, éste abunda en detalles que demuestran lo contrario.

¿Apolítico? Ningún filme de guerra, producido o no en Hollywood, puede serlo, por la sencilla razón de que o bien se enmarca “dentro del sistema” o está “por fuera” (y en esta medida en cierta forma “en contra”) de él. No se trata con esto de patrocinar una cacería de brujas donde todas las películas serán de derecha o izquierda, pro o antiyanquis. No. Si algún mérito cabe al arte es lograr ponerse por encima de las mezquindades políticas, independientemente del ambiente en que nazca (aunque no siempre). Pero, desde el momento en que aparecen de un lado unos rangers, rudos pero sensibles, amigos de los niños, salvando vidas incluso a costa de la suya, y del otro unos pobres diablos iraquíes que más parecen espectros, absolutamente “incaracterizados” (permítaseme el giro), estamos en presencia de ya sabemos qué “visión” del mundo. Mirada que no sorprende en lo absoluto porque es el recurso más usado en Hollywood para evaporar la humanidad de los enemigos (muchas veces en realidad “víctimas”) del ejército estadounidense que, antes que seres con sentimientos y aspiraciones legítimas, deben parecer zombis desprovistos de alma, cuando no caricaturas, incluso en historias que se quieren contestatarias de la guerra —Apocalypse now (1979) y Platoon (1986) incluidas—.

Yo diría que, debido al pobre manejo de un gran escenario (nada menos que la guerra internacional de mayor importancia en la última década), la película ni siquiera llega a ser de guerra, y por ende carece de verdadero sesgo político. En esta película no hay “malos”, pues los iraquíes son como sombras, o extras, sin ningún desarrollo de importancia en el plot. Y es que los juegos de video de hoy, al margen de los clichés de siempre, ya no son tan políticos como lo eran antes: están los “buenos” sí, y los “malos” claro, pero ahora uno decide con cuáles juega, con cuáles da bala y motosierra, y a veces incluso los “buenos” dan más miedo que los “malos” (como ocurre en Gears of war justamente, donde los escalofriantes Gears asustan más que los tiernos Locust).

En suma, esta película es decepcionante, no tanto por lo mala (películas malas hay por montones) como por las injustificadas expectativas que genera de ser excelente. Cuando uno va a cine a ver un filme con nueve nominaciones al Oscar, espera cuando menos una “sacudida estética” que, para tristeza de todos, en este caso nunca llega. The hurt locker es el típico bodrio convertido en leyenda sólo porque los medios dicen que es bueno: “una mentira repetida mil veces se convierte en una verdad”, escribió Goebbels. Gran verdad, seguro por lo repetida también.

Un detalle simpático: la esposa de James, que sólo descubrimos al final, resulta ser Kate (Evangeline Lilly), la de Lost, linda metáfora del momento en que el sargento (y la película) “se pierden” en medio de los cientos de marcas de cereales (escena muy real de supermercado gringo) entre las que intenta escoger, muerto del aburrimiento (igual que nosotros los espectadores), mientras espera la llamada que le indique el nuevo escenario de guerra para desplegar su adicción al peligro.

Me pregunto dos cosas, para terminar: ¿cuando será que algún director de Hollywood se atreverá nuevamente a sorprendernos con una película de guerra? La última vez fue Clint Eastwood con Flags of our fathers y Letters from Iwo Jima (2006), donde rompió el sacrosanto cliché de mostrar a todos los enemigos de USA como “malos” o zombis. Pero, sobre todo, ¿cuándo saldrá el videojuego de The hurt locker para Xbox? Correré a comprarlo, tal vez sus animaciones resulten más cinematográficas que la película.

Visite http://iuspoliticum.blogspot.com/ y lea esta reseña y otros pensamientos políticos del autor.

2012

Wed, 24 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: José Fernando Flórez

(* * )

“Un mundo nuevo está a punto de nacer, y un científico joven valdrá más que veinte políticos viejos”. Con estas palabras se despide el Presidente de los Estados Unidos, Thomas Wilson (Danny Glover), al ceder su puesto en una de las “arcas” que salvarán a unos cuantos “escogidos”, de Adrian (Chiwetel Ejiofor), el geólogo que le advirtió a la Casa Blanca que el mundo estaba ad portas de su final, para que diseñara un plan global de evacuación que preservara la especie humana. El filme es, desde luego, un embutido de lugares comunes de Hollywood que lo convierten en el típico enlatado apocalíptico que tan bien conocemos: Knowing (2009), I am legend (2007), The day after tomorrow (2004), 28 days later (2002), Armageddon (1998), Deep impact (1998), Independence day (1996), son los más recientes representantes del género que me vienen a la cabeza. En él encontramos las habituales ridiculeces que ya conocemos de memoria: el héroe chistoso, entre estúpido y genial, en este caso un escritor fracasado y talentoso (John Cusack), algo que, dicho sea de paso, no corresponde tanto al género de la ciencia ficción; el loco visionario, aquí un periodista, Charlie Frost (Woody Harrelson); niños superdotados y conflictivos; efectos especiales deslumbrantes; diálogos particularmente idiotas; chistes fáciles; escenas de supervivencia inverosímiles; el conflicto entre los “buenos” (los que piensan en los demás así sea a costa de su propia vida) y los “malos” (los que quieren salvar su trasero a como dé lugar); y claro, el amor como sentimiento redentor de la humanidad en las situaciones extremas.

La película, hay que repetirlo, es malísima, pero a veces los peores bodrios le dan la razón, mutatis mutandis, a Cervantes, cuando escribía que “no hay libro tan malo que no tenga algo bueno”, pues resultan transmitir mensajes de importancia que se pueden rescatar. Si me le mido a reseñar un verdadero “hueso” es sólo porque las palabras de despedida del Presidente Thomas Wilson son ilustrativas del mundo de los políticos, donde apenas unos cuantos piensan en algo distinto de sí mismos. El escenario cataclísmico que plantea la película es el siguiente: ante el descubrimiento del inminente final a causa del recalentamiento del núcleo y la corteza terrestres, los líderes políticos del mundo, en lugar de obrar con honestidad y contarle a la gente la verdad (¡Oh sorpresa!), prefieren emprender la construcción clandestina de unas cuantas arcas para que se salven unos pocos (ellos los primeros, por supuesto), que se financia con el dinero de los millonarios del planeta (1000 millones de euros cuesta el “tiquete” por cabeza) que, así se trate de los ejemplares más estúpidos y mezquinos de la especie (un detestable empresario del boxeo, Yuri Karpov, interpretado por Zlatko Buric, encarna a este arquetipo), logran gracias a su dinero reservar lugar al lado de los especímenes mejor dotados genéticamente.

Estamos en época preelectoral y la pregunta obvia que nos asalta como ciudadanos, en medio del lodazal de la política nacional, es por qué políticos votar. Y la respuesta más sensata que se puede dar es recordar que los políticos, desde que existen como plaga social, se han dividido en dos grandes grupos: la gran mayoría de los que sólo actúan en favor de su “interés particular” y consideran su oficio como una profesión más, es decir, un medio para lucrarse a como dé lugar, y la minoría de los que conocen la noción de “interés general”, que tienen consciencia de lo público, llámesele solidaridad, altruismo, vocación de servicio, sensibilidad social o simples ganas de ayudar (en lugar de robar). Así que, al margen del partido al que pertenezcan (aunque sin perder de vista que algunos de los partidos actuales, en virtud de la hoja de vida y antecedentes de sus miembros, más parecen bandas criminales), lo importante es escoger candidatos del segundo tipo, de los que no aspiran a puestos de elección popular para enriquecerse O al menos no sólo para eso.

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El secreto de sus ojos

Sun, 21 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Diana Ospina Obando

(* * * * )

Benjamín Espósito llegó al final de una carrera laboral como secretario de un juzgado de instrucción y ha decidido escribir una novela. Sobre la historia que quiere contar no tiene que cuestionarse mucho, él sabe perfectamente sobre qué quiere escribir: el asesinato, en 1974, de una hermosa joven violentamente asesinada, después de haber sido violada, en su residencia.

Espósito regresa una y otra vez a esos momentos y a la investigación que se sucedió después de tan dramático suceso. Reconstruye las pistas que tuvieron que seguirse empezando por el elemento que dio los primeros indicios sobre el culpable: unas fotografías de grupo en las que un hombre se distingue de los demás porque parece mirar siempre a la víctima arrobado, atontado, esa mirada (ese secreto de los ojos) se convierte en el punto de partida de una investigación que deberá superar numerosos obstáculos.

Espósito intenta desempolvar todos los incidentes que se sucedieron durante esos días decisivos en los que se obsesionó con ese crimen, porque en esa muerte y en el amor imbatible del joven viudo hacia su mujer, de ese hombre que no quiere descansar hasta que se encuentre al culpable, Espósito encontró un paralelo con su propia vida durante ese año y el amor que empezó a sentir hacia Irene su jefa, que está pronta a casarse con otro. De una u otra forma, para este jubilado, retroceder 25 años le permitirá saber qué fue lo que perdió; él intuye que nunca nada fue lo mismo después de ese crimen, que su vida terminó por convertirse en “una existencia vacía” y por eso escribirá una novela, desempolvará los recuerdos, se expondrá a lo que conserva su memoria y la de los otros participantes en los hechos, y decidirá, de una vez por todas, afrontar las decisiones que tomó durante esos días decisivos.

Pasado y presente se enlazan de manera armoniosa en la película, gracias no solo a un buen trabajo de edición y a un guión impecable, sino además a una gran labor de maquillaje y actuación que permite que de una secuencia a otra trascurran 25 años en los protagonistas de manera completamente verosímil. El espectador sigue el curso de la investigación y se sorprende con los giros inesperados que tomarán ciertos sucesos porque ese pasado se está transformando en un presente que nos atrapa y que será el único medio por el cual podremos entender ciertas situaciones del presente. Campanella logra con pulso firme construir secuencias de acción, escenas (como la famosa del ascensor) que nos quitan el aliento, y nos mantienen atentos y expectantes mientras, de manera paralela, nos cuenta de los tiempos difíciles que trascurrían en Argentina hace 25 años, tiempos en los que no era raro callar, encubrir; tiempos en que la justicia se convertía, muchas veces, en una farsa, una apariencia que actua solo a favor de ciertos intereses.

Ahí está Benjamín Espósito, recorriendo los pasillos que conoce de memoria, revisando ciertos informes, volviendo a pensar en lo que no ha dejado de pensar. El viudo le aconseja dejar de hacerlo “porque entonces tendrá miles de pasados y ningún futuro” y hay algo de cierto en eso, en que si se queda en el pasado repasando una y otra vez ciertas decisiones, ciertos momentos dolorosos e intentando comprender lo que ocurrió, lo que él otro pensó o dejó de pensar, (la mente de otro ser humano, ese lugar que nos está vedado y que tanto quisiéramos penetrar) corre el riesgo de quedar “detenido, suspendido en un momento” como dice Espósito que vio al viudo. Pero, por otra parte, si no se hace nada entonces el pasado se irá desvaneciendo, será sustituido por lo que queramos y se convertirá en “el recuerdo de un recuerdo” y entonces quizás, lo único que quede sea quedarse con los mejores recuerdos, con lo más bello, construir un recuerdo nuevo en la memoria que nos satisfaga; pero eso no cambiará, por desgracia, el resultado de ese pasado y cuando estemos allí, enfrentados al futuro que hemos construido, sabremos que algo no termina por encajar, que algo falta en este presente, cuando me enfrento a esos ojos que guardan otros secretos.

Espósito decide reabrir ese caso para poder cerrarlo de una buena vez. “Nunca volví a ver un amor como ese” dirá sobre el sentimiento del joven viudo hacia su mujer. Lo cierto es que él nunca más volvió a sentir un amor como el que sintió en esa época y a veces toma 25 años aceptar esas cosas.

Precious

Fri, 19 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Diana Ospina Obando

(* * * )

Precious tiene 17 años, pesa más de 100 kilos, tiene una hija, está embarazada de su segundo hijo, vive con su madre abusiva y ha sido violada en repetidas ocasiones por su padre, quién es el responsable de su maternidad prematura. Si se cree que esto es demasiado vale la pena recordar que la película está basada en hechos de la vida real para terminar de deprimirse. Si nada de esto parece un argumento suficiente para desistir de escoger ver esta película para distraerse un domingo en la tarde con la idea de que peores cosas pasan a veces por Hallkmark, toca aclarar que la manera como Precious está contada es muy particular. A la increíblemente dramática historia de Precious asistimos como espectadores privilegiados y directos, parece que por el tiempo que dure la película veremos el mundo por sus ojos y ella ha creado mecanismos muy particulares para sobrevivir en un entorno que la agrede constantemente. Precious ha aprendido a bloquearse en momentos difíciles a sustraerse de la realidad y transportarse a un mundo de ficción en el que canta, baila, tiene éxito y es pretendida por un hombre joven y guapo. Así que el espectador debe estar preparado para las irrupciones de ese mundo paralelo al igual que a los diálogos extraños porque Precious es casi analfabeta y no puede desarrollar y mucho menos conceptualizar adecuadamente ciertas ideas. A esto se le suman técnicas de grabación particulares, la cámara se asemeja a un documental en varios momentos dándole una realidad un tanto fría, en otros enfatiza en ciertos aspectos dramáticos, juega con la luz, los colores. Esto consigue que más que una película para llorar, Precious se convierte en una película que nos deja golpeados, asqueados (de las situaciones que allí cuenta) e impactados (fue mi caso por lo menos) y aunque, puedo asegurarle al espectador que la luz llegará a ese reino de tinieblas también debo aclararle que las últimas escenas, las confesiones inauditas que tendrán lugar hacia el final explicarán mecanismos oscuros del alma humana, nos enfrentarán a la miseria más profunda y a las perversas motivaciones que explican, si es que se puede usar esta palabra, ciertos actos y serán, sobre todo, un testimonio de las grietas que se abren en algunas personas, grietas tan hondas que son capaces de arrastrar a quienes las rodean y casi, menos mal solo casi, destruirlo todo a su alrededor.

Dato curioso: Sorpresivas apariciones de Mariah Carey y Lenny Kravitz interpretando a personajes secundarios de la historia.

Zona de miedo

Fri, 19 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Diana Ospina Obando

(* * * ½)

¨La adrenalina de la batalla es una adicción fuerte y letal, porque la guerra es una droga.” Esta frase de Chris Hedges (escritor, periodista y corresponsal de guerra) es el preámbulo con el que inicia The hurt locker ( su título insinúa más un lugar donde se guarda el sufrimiento, el dolor) y durante los 127 minutos de duración su directora, Kathryn Bigelow, se encargará de hacernos sentir la potencia de esa adrenalina letal.

La acción transcurre en Bagdag durante el 2004, la guerra conoce nuevos escenarios y ya no estamos en la húmeda y verde Vietnam (como en tantas otras películas) ahora el escenario es desértico y, ante todo, urbano. Lo que sí hay que aclarar es que aunque el escenario cambie el horror sigue siendo el mismo. Bigelow sigue a un comando especial que se encarga, sobre todo, de la desactivación de explosivos. El enemigo podría ser cualquiera porque en esencia estos soldados norteamericanos están en casa de él, desconocen el idioma y poco o nada interactúan con este pueblo que los observa con desconfianza y, muchas veces, odio. Bigelow lo muestra con esas tomas silenciosas en las que solo vemos miradas, personas que observan y sentimos, como lo sienten los soldados, que cualquiera de ellos puede causarles la muerte. El acercamiento con la población es agresivo y brusco, ellos contestan con insolencia, la muerte los rodea a todos. Hasta este lugar llega el sargento William James que ha dedicado su vida a la desactivación de explosivos y ya no concibe una vida lejos de esa rutina de enfrentarse a la muerte. James es talentoso, irreverente, decidido, arriesgado, vive al límite, tantea el peligro, gusta de desactivar objetos que podrían causarle la muerte y colecciona las partes que le recuerdan que esa vez pudo haber sido la última.

El espectador acompaña a este comando especial y se queda sin aliento, se siente el peligro de manera permanente, las tomas son precisas, cuidadosas. Se respira la testosterona y Bigelow la muestra en todo su esplendor dándonos escenas en las que vemos que solo prima la fuerza bruta, el poder, que entre sí deben probarse continuamente. Como los machos de las manadas que vemos en Discovery, el hombre no deja de ser un animal, primitivo en sus emociones, impulsivo y fiero.

Un gatito cojo ronda por las calles polvorientas, un niño intenta venderles películas a los militares, un hombre misterioso los graba, un carnicero hace una letal llamada telefónica, un profesor intenta hacerle comprender al soldado que él es un huésped en su casa; sucesión de imágenes que muestran los contrastes de esta guerra que continúa y que a fuerza de estar ahí se ha hecho invisible para nosotros cuando de ella no vemos más que un pequeño recuadro en los periódicos que avisa sobre alguna bomba que estalló en una calle de la ciudad.

No puedo dejar de pensar en otra película de la misma directora Point break (1991), que cuenta la historia de unas surfistas que roban bancos No puedo dejar de pensar en la fascinación de Bigelow por los personajes que gustan de vivir al límite, de esos para quienes la vida cotidiana no tiene sentido si no se puede percibir la muerte cercana y como, finalmente, solo así consiguen sentirse vivos. La vida rutinaria es peor que cualquier cosa y le temen más a eso, a escoger un cereal en un inmenso supermercado, por ejemplo, que a enfrentarse a una ola enorme, saltar al vacío, o desactivar una bomba letal en alguna calle polvorienta de Bagdad. Bigelow habla de esos seres que no conseguirán jamás hacer parte de una sociedad normal y que escogen el límite por encima de cualquier otra posibilidad.

The hurt locker (no logro adaptarme a ese título en español, tan lleno de lugares comunes) me pareció una mirada que no deja de ser femenina a la guerra. El espectador puede esperar quedar inmovilizado en su silla gracias al suspenso que sabe manejar con destreza esta directora pero también que espere contemplar la deshumanización de la guerra, ahí están los diálogos cortos, las reflexiones poco profundas y a veces contradictorias porque poco se puede pensar en esos ambientes, la cruda soledad que se siente en esa situaciones y la muerte que llega intempestiva, anónima y silenciosa. ¿A quién le importa?, ¿no son estos muchachos cajones de pertenencias que regresarán a su país si todo sale mal?, ¿Alguien los llora?, ¿tiene algún sentido que estén allí?

Me quedo con la imagen del sargento James en la ducha, vestido con su uniforme, mezclando al agua las lágrimas de impotencia, impregnando de sangre ajena esos chorros que lo recorren, derrotado por un instante, derrotado en soledad, ese hombre que lo ha visto todo y que no puede, no puede, esa es su droga, escapar de ese lugar.

Amor sin escalas

Fri, 19 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Diana Ospina Obando

(* * * )

Ryan Bingham se gana la vida haciendo lo que pocas personas quisieran: recorriendo el país, de un lado a otro, despidiendo personas. Jerry se sienta frente a ellas, las recibe en ese momento de total y única fragilidad y les comunica que se acabó, se ha terminado, no va más. No importa cuántos años hayan gastado en esa compañía su misión es hacer lo que los otros no quieren, ensuciarse las manos con el sufrimiento del otro y convencerlo de que debe abandonar la empresa hasta sintiéndose, por qué no, agradecido con esa decisión. No se necesitan hacer muchos esfuerzos para pensar rápidamente en la reciente crisis económica que golpeó los Estados Unidos e imaginar que lo que hace este personaje atraviesa por uno de sus mejores momentos. Bingham, además, sabe lo que hace, lleva años viendo todas las posibles reacciones posibles y de alguna manera intenta generar una empatía rápida con las personas a las que debe despedir para hacer el trance menos difícil. Lo cierto es que esos esporádicos vínculos que genera con los empleados marcados por la desgracia son los únicos que establece este hombre que pasa su vida subido en un avión y que considera los aeropuertos su hogar.

Varias cosas están por cambiar, su hermana menor se va a casar; una joven emprendedora y llena de ideas llega a su empresa con el fin de generar una propuesta para acabar con esos viajes interminables de los empleados y realizar los despidos valiéndose de las nuevas tecnologías; por si fuera poco en uno de sus viajes se topa una mujer hermosa, audaz e independiente que consigue inquietarlo.

Ryan intuye que quizás ha llegado el momento de detener esta vida sin vínculos y lazos afectivos, que el avión que nunca se detiene, esa capsula que sobrevuela la ciudad es, sin duda, la mejor metáfora de su situación sentimental en la que familia, amistad, amor se han visto completamente alejados de ese mundo ascéptico de comida envasada, azafatas amables, y hoteles idénticos al final de cada aterrizaje.

Jason Reitman que abordó, en Juno, su película anterior, el tema del embarazo adolescente de una manera diferente, dulce y divertida se aventura aquí a continuar explorando las relaciones atípicas que pueden establecerse con otros seres humanos (Juno finalmente habla de crear una vida y unos vínculos afectivos con reglas propias y no dejarse imponer nada).

Es cierto que las relaciones, los vínculos, pueden convertirse en pesadas cargas, como lo dice Ryan en sus conferencias de superación que dicta a lo largo del país, y hacen que la "maleta" se haga muy pesada. Sin embargo, también es cierto que es difícil no desear un poco de peso en la maleta y, al parecer, para evitar hacerlo, la única opción viable parece ser nunca estar realmente en ningún sitio, vivir de paso (Reitman dedicara secuencias que ilustran a la perfección esa vida que se resume en una maleta en una fila, en un constante empacar y desempacar meticuloso).

Ryan Bingham está empezando a pensar que tal vez no sea tan malo construir una vida en un sólo sitio, aunque le aterra la idea. Intuye que sólo así escapara a la soledad que lo espera en su apartamento, el cual se parece más al cuarto de un hotel de paso que otra cosa, y a esa vida que ha construido donde dos minutos con sus hermanas se convierten en un instante de incómodo silencio porque no hay nada que pueda decirse cuando uno realmente no se conoce.

Eso empieza a querer Ryan Bingham, compartir algo de su vida, recuperar recuerdos perdidos, sentir que a veces lo que más se desea es correr a los brazos de alguien, seguir ciertos impulsos, creer que al mirar a los ojos a esa persona el mundo se detendrá ¿por qué no? Ryan Bingham quiere creer que todo eso va a dejarle de parecerle cursi, tonto, inútil pero, el problema, el gran problema, es que querer algo no significa obtenerlo, no implica conseguirlo y a veces, cuando finalmente tomamos una decisión, a veces, ya es demasiado tarde para que alguna cosa pueda cambiar.

La sangre y la lluvia

Mon, 15 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Margarita María Echavarría Ruiz

(* * * )

La sangre y la lluvia, la película colombiana dirigida por el caleño Jorge Nava, usa y explota la lluvia como elemento protagónico y lo combina con otro que el cine nacional no abandona: la violencia. La lluvia a través de la historia del cine ha sido clave en innumerables películas, como Cantando bajo la lluvia (mi preferida), el hermoso musical de Hollywood, o más recientemente, Lluvia, de la argentina Paula Hernández.

En las primeras escenas de La sangre y la lluvia, podemos admirar la belleza que tiene el agua al caer, a pesar de que la lluvia transmite por lo regular una sensación de frío y soledad. Y es allí, desde sus inicios, donde se puede percatar que la lluvia será un elemento esencial en el desarrollo de esta película, aunque el título nos daba ya esa certeza.

La lluvia pasa a ser un protagonista más y está presente en los momentos más críticos de la película; entra como personaje que inyecta tensión y expectativa cuando hay algo que resolver, o cuando sus personajes atraviesan por momentos decisivos, en contraste con las escenas donde no hay lluvia, como cuando finalmente amanece. Todo ha concluido. No hay lluvia. Es otro día.

Esta historia, un tanto húmeda, gira alrededor de dos personajes interpretados por Quique Mendoza (Jorge) y Gloria Montoya (Ángela), dos desconocidos que a partir de un accidente quedan unidos de forma irremediable, algo que parecía esperarse, que era predecible dadas las condiciones de su encuentro y la aparente dificultad para coger cada uno por su lado.

Una Ángela hermosa, adicta, nocturna y desinhibida, junto a un taxista dolido por el asesinato reciente de su hermano, son la combinación perfecta para la violencia, pues todo nos dirige a pensar que será así, ya que son otros más de los personajes sin futuro a que estamos tan acostumbrados en las producciones nacionales. Todo esto ayudado por el entorno que los rodea: sitios sórdidos, personas violentas y decadentes como el Teniente González y sus secuaces, McGiver y Mena, hacen pensar que no hay una solución esperanzadora para el conflicto que plantea esta película.

Y es que la historia, aunque bien contada, no nos deja lugar para sorpresas. Aunque bien hecha, no nos deja imágenes nuevas, más de lo mismo: sangre, prostitutas, armas, malas palabras. Y es una lástima porque el director logra captar muy bien el ambiente nocturno de algunos de los sitios más peligrosos de Bogotá, y donde sus protagonistas logran ser creíbles por su buena actuación.

La película además de la lluvia exalta lo urbano y sus vicios. La noche aparentemente quieta esconde en sus entrañas un corazón que palpita a otro compás. Esta ciudad grande refugia a personas que no duermen o que no quieren dormir, pues existe vida en la noche; gente que trabaja, que disfruta, que vive para la noche y en la noche, una Bogotá que ha sido poco contada pero que tiene los mismos ritmos de cualquier ciudad en el mundo, que siempre será inhóspita para quien no la conoce ni sabe habitarla, para los otros que sólo saben vivir de día.

Este guión realizado por tres personas, Carlos Henao, Corinne-Alize Le Maoult y el director Jorge Nava, logró ser reconocido internacionalmente (Produire au Sud Selection de Nantes, Script and Development de Rótterdam y Laboratorio de guiones del Sundance Institute) y muestra que aunque el tema de la violencia combinada con sexo y drogas es recurrente, aún funciona como fórmula para realizar películas. Y es que además de funcionar, su éxito invita a verla pues fue seleccionada también en numerosos festivales, el más representativo de ellos, el Festival de Cine de Venecia. Y esto es un gran logro para el cine nacional, tan desierto de triunfos y tan necesitado de reconocimientos.

Dejen de quererme

Sun, 14 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Esteban Arenas

(* * * )

Parecía la simple manifestación de una crisis de mediana edad. Esa mañana, Antoine protagonizó la peor de sus pataletas. Dejó su compañía de publicidad y con ésta, las interminables reuniones intentando encontrarle el nombre perfecto a ese yogur que todo lo cura; ni su esposa ni sus hijos se libraron del patán en el que estaba convertido, como si se le hubiera partido la vida en dos, simplemente ahora nada estaba bien y su única decisión segura era marcharse y buscarse otro rumbo. Sí, parecía a llegada de una crisis en la que seguramente Antoine se compraría un genial carro nuevo y conseguiría alguna chica atractiva para aventurarse en nuevos idilios.

En el cine de Jean Becker hay una permanente pregunta, vieja y filosófica, por el carácter de la vida. De ahí sus secuencias intimistas y la preferencia por la vida emocional de los personajes en las cuales el gesto prevalece. Si bien la suavidad y la sensualidad de éstas han sido un sello definitivo, en su última película Dejen de quererme se aleja de sus recursos y sus fábulas habituales, para dedicarse a narrar la historia de una gran depresión, del colapso que sufre un hombre que después de tenerlo todo (gran trabajo, gran familia, grandes amigos) se enfrenta a una verdad inminente que desestabiliza todo lo que ha conocido como su vida.

Sin grandes dramas ni cuentos de complots como en la famosa Verano asesino (1983) y sin una reflexión explícita como en La fortuna de vivir (1998), pero definitivamente con un carácter marcadamente filosófico, Dejen de quererme se centra en la emoción, en los rostros de los actores para manejar un trauma que crece y crece hasta el punto de estallar. En la cena de su cumpleaños número 42, Antoine irrumpe en escena atacando a todos sus amigos, todos de buena posición social y satisfechos con ellos mismos, contando todas las verdades que nunca se atrevió a pronunciar, como quien sabe que alguna calamidad está a un paso de encontrarlo. La discordia y el caos se crean. Él, interpretado por el actor y director de cine francés Albert Dupontel, logra las escenas más interesantes de la película: es esa fiesta con una mesa servida de manera impecable en donde el hombre antagonista no altera al público por su cara afectada y vulnerable, es ese escape a Irlanda en el que encuentra una apacible pero débil tranquilidad.

Becker divide la historia de Antoine en dos. El desequilibrio que encuentra en la vida después de recibir una terrible noticia y la consecuencia de esto: un viaje para volver a ver a su padre, un viejo ermitaño con el que el director se reencuentra con su estilo más conocido. Sus escenas grabadas en el campo tienen siempre un aire de nostalgia, como un intento de volver a la juventud y también seguramente, en su discurso filosófico, de volver al estado puro y natural del hombre. No es gratuito que el desenlace se desarrolle durante una escena de pesca en un río, en donde Antoine encuentra la redención al justificar sus actos y confesar por medio de un obvio flashback el misterio disfrazado y rodeado durante todo el filme. No todo es como parece y el carácter del héroe adquiere nuevas dimensiones.

Finales fáciles. Todavía mucho más después de la complejidad presentada en el guión y de los muchos pensamientos, existenciales en su mayoría, que supone la situación misma. Si el mundo se acabara mañana, Antoine no se dedicaría a los excesos, buscaría la soledad a toda costa, el placer de ser olvidado y seguramente, su esposa todavía pensaría que es un pobre hombrecito que nunca tuvo “huevos ni corazón”.

Paris 36

Sat, 13 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Andrés David Ortiz

(* * ½)

Faubourg 36; París, París; o París 36 como se presentó en las salas de cine colombianas, es la obra del director francés Christophe Barratier, quién tras cinco años de su opera prima Los coristas (2004) presenta un nuevo drama donde el actor Gérard Jugnot, el protagonista de su primera película, regresa en ésta, situada en 1936, en el papel de Pigoil. En ese entonces Francia estaba gobernada por el Frente Popular, un partido político de izquierda que concretó cambios sustanciales para el movimiento obrero, como el aumento salarial del 12% y las primeras vacaciones pagadas durante 15 días, finalizando su periodo en 1938.

El director elige nuevamente como recurso narrativo un flashback para la presentación de Pigoil; junto a él presenta un lugar, el teatro Chansonia, que sin ser exactamente un personaje ocupa un lugar muy importante en esta historia. Al inicio del relato y como si se tratara de siameses, los enlaza en un plano secuencia muy logrado que resalta así la buena dirección de arte y la espectacular escenografía del barrio parisino de aquel entonces, como si el interior de Pigoil pudiera reflejarse en el lugar, La música, los aplausos, el color, la forma en que se desplaza la cámara por la atmósfera del teatro, hace danzar y relacionar a Pigoil con todos sus elementos, en muestra clara de toda su experiencia laboral como telonero y de su complicado dificultad de separar —como en su vida misma— la realidad de la fantasía.

En su rostro se observa la ansiedad y el desvelo de aquel chiquillo que espera el nuevo día para ir de paseo con sus compañeros, pero al igual que éste, en un inesperado y lluvioso día gris, mira como el agua desvanece sus intenciones. De una manera similar ocurre con Pigoil, pues con los boletos en mano para su esperado viaje al mar termina enterándose del engaño de su esposa.

Algo destacable es la puesta en escena que se propone: no se muestra un solo desnudo, no hay ninguna confesión, ni un golpe; lo que varía es el dialogo y sus tonos, el juego de miradas con los que se enfrentan, la buena actuación y montaje le revelan en un minuto los dos amantes de su esposa, entre ellos su compañero de trabajo Milou, un líder revolucionario de la época. Vuelve el acercamiento lento característico del director, similar a los movimientos de cámara que utilizaba Alfred Hitchcock, casi un primer plano del personaje, intentando mostrar en su rostro la desilusión del desengaño.

El conteo regresivo, el tic-tac del reloj, son elementos visuales que anuncian el fin del año, estos en la película son alternados con imágenes de todos los personajes en cada segundo que pasa, el sonido parece fundirse con las palpitaciones del director del teatro Chansonia. Esos instantes de alegría para muchos se convierten en sus últimos momentos de soledad cuando lo vemos apuntarse un arma a su cabeza. El suicidio es coreado por la multitud terminando así el año 1935 llevándose consigo las esperanzas de su empleado Pigoil de conocer el mar con su hijo Jojo.

Este último también interpreto a Pépinot en Los coristas, el pequeño niño que esperó cada fin de semana la visita de su padre; Paris 36 bien podría ser una continuación de estos dos personajes, pues muestra claramente la trascendencia y madurez de ambos.

La narrativa, la mezcla de drama y humor, la identificación con sus personajes hace ameno y digerible este largometraje. Aunque predecible y sensible con el espectador cuenta muy bien la historia de estos tres desempleados que por su propios medios y con su propio musical buscan renovar y comprar el teatro de variedades Chansonia.

Amor sin escalas

Sun, 07 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * * )

Si las situaciones de la vida fueran signos de puntuación (conseguir pareja, una coma; mentir, un par de comillas; tener un hijo, dos puntos) los vuelos en avión serían lo más parecido a unos paréntesis. Se cierra la puerta de la aeronave y el mundo se desvanece. Dejan de sonar los celulares (el día que los permitan de nuevo todo habrá terminado y se esfumará cualquier mínima esperanza de tranquilidad en el universo), se acaban las prisas por llegar a aquella cita, olvidamos contar las calorías del almuerzo y nada, excepto nosotros, cada uno, vos solo con tu sombra, parece importar.

Ryan Bingham vive ahí. En ese espacio de temperatura invariable. En esa soledad perfectamente diseñada. Va de una ciudad a otra, contratado por distintas compañías para que acabe con los contratos de los demás, porque nadie (y él sí) es capaz de poner la cara a la hora de echar a alguien. Si su vida laboral depende de que otros la pierdan, es una especie de buitre corporativo que ha hecho del viaje su rutina de vida. Por eso la edición de la secuencia en que empaca sus pertenencias es tan llena de energía y tan fragmentada. Porque él no tiene tiempo que perder. Incluso entre un trasbordo y otro, dicta conferencias que le enseñan a las personas a no empacar más de lo necesario, a “viajar ligeros de equipaje” por la vida.

George Clooney es Ryan Bingham. Y como ocurre con el cásting de todas las películas de Jason Reitman (Thank you for smoking, Juno), parece ser el actor más indicado para el papel. Sólo un tipo así, que siempre luce encantador sin esfuerzo, con el aire atemporal de las verdaderas estrellas de cine, puede hacernos creer durante gran parte de Up in the air que esa clase de vida es sensacional. Porque lo creemos. Envidiamos la forma en que se salta las filas de los hoteles gracias a su tarjeta de beneficios; celebramos la rapidez con que hace su check in en cada aeropuerto y suspiramos porque alguna vez una azafata recuerde nuestro nombre. Y claro, si además uno se puede acostar en una suite del Hilton con Alex Goran, la versión más hermosa de Vera Farmiga que hayamos visto, es fácil creer que vivimos en el paraíso.

Pero no es cierto. Las apariencias engañan. Ni Bingham es tan feliz, ni Natalie, la asistente sabionda que le acaban de imponer como compañía tiene su vida tan perfectamente programada como ella quisiera. Nos daremos cuenta, mientras la historia avanza, que Ryan, Alex y Natalie, se mienten a sí mismos para sobrevivir. Como todos. Como lo hacen aquellos que creen (y con el título en español que le dieron, ese asqueroso Amor sin escalas es fácil pensarlo) que Up in the air es una comedia romántica. Ni siquiera podemos decir que sea una comedia, porque simplificaríamos demasiado todo.

¿Las radiografías son graciosas? Lucen cómicas, con su negro y su verde electrizado y esa tendencia de los órganos internos a parecerse a pelotas de tenis abolladas y a pisapapeles. ¿Pero hay chistes ahí o simplemente es que nos causa gracia vernos por dentro? Porque Up in the air es en realidad una radiografía de los tiempos que corren. Compañías que se cierran en un parpadeo porque ejecutivas recién graduadas como Natalie, decidieron que había una “mejor forma” de hacer las cosas (a ella se le ha ocurrido que en vez de gastar cientos de horas en vuelos nacionales, se puede despedir a la gente a través de teleconferencias, lo que va a impedir que Ryan alcance sus anheladas 10 millones de millas); puntos suspensivos que aparecen en medio de nuestra propia historia, en la forma de un despido que no esperábamos o de una relación que se apaga con un mensaje de texto.

Cada pieza de la película se ajusta tan bien a la historia, que a uno le cuesta creer que Jason Reitman sólo tenga 32 años. La fotografía de Eric Steelberg, que resalta los colores sin disipar la sensación de limpieza (como en los comerciales de aerolíneas) y nos muestra la poesía que hay en la vista aérea de las ciudades que recorre Bingham. El vestuario de cada personaje (obra de Danny Glicker, el mismo de Milk) que lo describe tan bien como sus acciones o sus diálogos (sobre todo en el contraste de la Alex que pasa las noches con Ryan y la que él visita en su casa, casi al final de la película) La arriesgada aparición de subtramas que, sin embargo, se resuelven con ajustada precisión, sin entorpecer el desarrollo de la historia principal, y convirtiéndose en perfectos puntos de giro. Y a estas alturas decir que Reitman es un buen director de actores o que escoge con gusto maravilloso las canciones de su banda sonora, es una obviedad.

Tal vez uno pueda encuadrar a Up in the air en el género de la comedia, porque el aprecio que Reitman siente por sus personajes (él es también quien escribe la película, como para completar la incredulidad en su talento) evita que sus vidas se precipiten por el acantilado, esa tentación fácil en que los dramas caen para quedarse en nuestra memoria. Él prefiere dar a sus criaturas principales un momento de iluminación, un instante en que su vida puede tomar un rumbo u otro, de acuerdo con lo que decidan (que en Juno era obviamente la decisión de tener o no al niño que esperaba), para que nosotros nos mordamos los labios a su lado. Un punto y coma.

Por eso es que las películas de Reitman son tan memorables. Porque siendo poderosas y a veces despiadadas reflexiones sobre nuestras vidas (sobre nuestras existencias actuales, sobre este mundo que nos tocó en suerte), no renuncian a la idea de que siempre hay esperanza. Es cierto lo que dice Bingham en una de sus conferencias: no somos cisnes que puedan vivir igual (con las mismas comodidades, con la misma pareja) hasta la muerte; somos tiburones, asesinando para sobrevivir. Pero como tiburones, también tenemos la posibilidad de elegir si nos pescan los atuneros o no.

Lo que más le duele a Ryan al final, es que la vida que tiene, como la de muchos otros, funciona mientras no se detenga. Mientras no reflexione sobre sí mismo. Le duele que le digan paréntesis, no porque le parezca un insulto. Sino porque sabe que es una verdad. Una verdad que lo ha dejado con una pregunta en los labios que no sabe a quién formular (¿una pregunta no fomulada debería ir entre paréntesis?): ¿para qué volar a alguna parte, si al aterrizar nadie nos espera?

Tu última oportunidad

Sat, 06 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * )

Si la vida fuera como el cine (no, no voy a decir gringo, también en las cinematografías europeas, asiáticas y latinoamericanas, por mucho que se las den de “distintas”, los actores son en general, bien parecidos), la mayor parte de los seres humanos tendríamos el abdomen plano, seríamos altos, tendríamos músculos torneados y, como alienígenas de dimensiones desconocidas, viviríamos en un estado permanente de juventud, siempre con una apariencia de “entre quince y cuarentaitantos”. Si la vida fuera como el cine, el enamoramiento por ejemplo, (y con enamoramiento también hablamos de ese proceso que conocemos como “conquista”, del coqueteo y de la emoción del primer beso) sería una experiencia que sólo podrían vivir los jóvenes y los adolescentes. Aunque Sandra Bullock esté más cerca de los cincuenta que de los 30, tiene que rejuvenecerse a la fuerza cuando quiere protagonizar una comedia romántica. Porque según la lógica de Hollywood, el amor no se ve bien en la madurez.

Last chance Harvey es un drama romántico (más que una comedia) que funciona según las leyes de su género, siguiendo cada uno de sus convenciones pero con una única excepción: sus protagonistas tienen “en la vida real”, 72 y 50 años. Y si a eso le sumamos que ambos son actores grandiosos, con 7 y 5 nominaciones al Oscar respectivamente, y 4 estatuillas entre ambos, lo que queda es la posibilidad de ver en acción a un par de talentos que logran darle fuerza y emoción a una historia que brilla, más que por su originalidad, por lo extraño que es ver en el cine norteamericano este tipo de historias con este tipo de intérpretes.

Harvey es un músico publicitario que añora componer a la antigua, cuando no todo se hacía con computadores y las melodías se creaban junto al teclado de un piano. Kate trabaja en una aerolínea haciendo encuestas a los pasajeros extranjeros que llegan a Inglaterra y tratando de aguantar las constantes insinuaciones que su madre hace acerca de su soltería. Sus caminos se cruzan cuando Harvey tiene que viajar a Londres para asistir al matrimonio de su hija. Sin embargo él tiene mucho afán y se niega a responder a la encuesta en el pasillo del aeropuerto cuando arriba. La película se preocupa por presentarnos a los personajes para que los conozcamos, haciendo un paralelo entre sus dos situaciones: por un lado él se siente desplazado de la vida de su hija, maltratado por su ex esposa, que lo manda a la punta más alejada de la mesa principal el día de la recepción prenupcial y lo mira como si fuera un remedo de hombre. Para completar, Susan, su hija, le confiesa que prefiere que sea su padrastro el que la entregue en el altar. Por otro lado, Kate se ve a sí misma como una mujer desesperada, que busca a través de citas a ciegas que pueden caer en lo patético, encontrar la compañía que quisiera. Ambos, encerrados en un baño y mirando al infinito, sin conocerse, comparten su fragilidad solitaria.

Harvey pierde su vuelo de regreso después de ver la ceremonia desde lejos, pierde su trabajo pues lo despiden por teléfono y pierde la paciencia con la vida. Está solo en el bar del aeropuerto, con la única excepción de esa funcionaria con la que se portó tan mal a su llegada, quien lee una novela romántica dos mesas más allá. Y entonces, cuando él decide disculparse y entablar una conversación, como si fuera un encantamiento, vemos en escena a Dustin Hoffman y a Emma Thompson, Harvey y Kate, hablando, mirándose a la cara, llenando la pantalla con sus actuaciones.

Nos hemos acostumbrado tanto a las actuaciones mediocres en las comedias románticas que ver a un par de actores como estos nos emociona de inmediato. Todos los actores en sus entrevistas dicen que el secreto de su arte está en saber escuchar a otro. Pues lo que suena a palabrería barata para complacer al auditorio se convierte en una realidad cuando uno ve Last chance Harvey. Él de verdad está intentando seducirla con simpatía y sin malicia. Ella se ríe espontáneamente con los comentarios. Él reacciona a su sonrisa y le dice algo aún más galante para convencerla de que se deje acompañar. Ambos se escuchan antes de responder. Y durante algunos minutos tenemos el privilegio de contemplar a dos intérpretes para quienes actuar bien es tan sencillo como respirar. Las pausas que hacen cuando piensan, los gestos para acompañar al otro, la entonación que le ponen a su voz, son una clase de cómo construir un personaje del que el público se enamora. Nos tienen de su lado de inmediato.

Casi podemos saber lo que pasará después. El guión que Joel Hopkins escribe y dirige no es el más original. La ventaja es que no lo necesita, pues al alterar la edad de sus protagonistas y mostrarnos el amor como una oportunidad que le llega a cualquiera, incluso cuando creía que ya no era posible, engrandece esa historia simple y la convierte en un drama esperanzador. Lo único que uno extraña es que Hopkins no le diera más tiempo en pantalla a los diálogos entre los dos protagonistas, que a la manera de Before sunrise o de Before sunset los dejara solos, recorriendo a pie esa Londres de postal, tan distinta a la fría capital, laboriosa y gris, a la que estamos acostumbrados. Si uno se guiara sólo por esta película, podría creer que la capital inglesa es tan romántica como París.

Pero Hopkins apenas escribe y filma su segunda película y decide entonces continuar con la historia del matrimonio de la hija de Harvey, llevando a sus personajes a la fiesta posterior. Ni siquiera evita la escena cliché en la que el protagonista masculino espera sentado mientras la protagonista se mide todos los vestidos posibles en una tienda de ropa. Sin embargo, tal vez el cliché está ahí sólo para mostrarnos que a cualquier edad el amor es igual de emocionante, y que mujeres reales como Emma Thompson llenan mejor los vestidos que las modelos metidas a actrices. Luego vendrá un monólogo para el lucimiento de Hoffman, la pequeña separación de toda comedia romántica y algunas escenas fallidas con la mamá de Kate, que el director no fue capaz de cortar en la edición. Ninguno de sus defectos es tan grande como para impedir que disfrutemos con este relato en el que nadie es malo, donde la vida sonríe a pesar de todo y donde dos actores inmensos, con toda la sabiduría de la experiencia, nos regalan una interpretación compartida, memorable.

La duda

Fri, 05 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Ernesto Zelaya

(* * * ½)

Es 1964 en el colegio Saint Nicholas, en el Bronx. La ordenada existencia y tranquilidad de los padres y monjas es puesta de cabeza cuando la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep) inicia una campaña en contra del Padre Flynn (Phillip Seymour Hoffman), al sospecharlo de abusar del único estudiante negro en el colegio. El dramaturgo John Patrick Shanley se pone tras las cámaras para adaptar su propia obra al cine, en un drama que nos deja con muchos cuestionamientos.

Nuestro punto de entrada es la inocente Hermana James (Amy Adams), una monja virtuosa que sólo quiere llevar la fiesta en paz y que termina convirtiéndose en el eje moral frente a dos posiciones radicales. Por un lado está Aloysius, una monja apegada a las tradiciones que maneja el colegio con disciplina y mano de hierro; su deber es mantener las costumbres, a sabiendas de que los estudiantes viven aterrada de ella. Por su parte, Flynn es progresista, que busca acercar más a la comunidad con la iglesia, lograr que las personas vean a las curas y a las monjas como parte de la familia; su trato hacia los alumnos es más como el de un amigo, que un profesor o guía espiritual. Ambos representan los dos extremos de la iglesia, que desde siempre han estado en conflicto.

Las dudas pueden pesar mucho sobre las personas. No sólo por los cuestionamientos que traen, sino por sus consecuencias. En el caso de las monjas y curas de Saint Nicholas, no es distinto. Si bien son enaltecidos por la comunidad como ejemplos de virtud y moral, no están anejos a los mismos cuestionamientos. ¿Es culpable el padre Flynn, o está Beauvier tan empecinada en su pequeña cruzada que es capaz de todo para sacar de en medio a quien ve como una amenaza a la integridad de la iglesia debido a sus prácticas modernistas? Pronto queda claro que el bienestar del niño es lo de menos en el conflicto. Shanley no nos da las respuestas de una situación tan delicada; la duda entra en el público mismo y debe tomar una decisión.

Meryl Streep no es llamada una de las mejores actrices de su generación por nada: domina las acciones como Beauvier, una monja bien intencionada pero tan férrea en sus convicciones que resulta monstruosa. Hoffman sabe hacerle frente como el conflictivo cura; las acciones del padre Flynn se mecen entre un esmerado cuidado por sus alumnos y un interés poco sano en ellos y el actor trabaja bien dicha ambigüedad. Esto especialmente tras la aparición de la madre del niño – una sorprendente Viola Davis que en una sola escena logra convencer como una sufrida madre que solo quiere lo mejor para su hijo, durante un tenso y revelador duelo actoral con Streep – cuyas confesiones cambian el rumbo de la historia y nos hacen ver que no todo es sólo de blanco y negro absolutos como lo ve la Hermana Beauvier.

Aún así, la monja se mantiene firme. Pero como todos nosotros, es humana; y queda claro que detrás de ese exterior disciplinado y frío está una mujer que no está segura de lo que cree, pero debe mantenerlo no sólo para no traicionar sus propias creencias, sino para no dejarse someter por un mundo donde, a pesar de que se predica la igualdad entre hermanos, hombres y mujeres, las monjas están sujetas a los designios de los curas y no les queda más que obedecer.

Shanley, en su segundo trabajo como director – y a años luz de lo que fue Joe contra el volcán – se hace preguntas bastante fuertes acerca de la naturaleza humana. El objetivo no es determinar la culpa o inocencia del Padre Flynn; la interpretación de lo sucedido con el pequeño Donald puede variar de persona a persona. Si bien hoy en dia ya existen casos documentados de pedofilia en la iglesia, en los 60s esto representaba un escándalo impensado por todo el mundo. Y es por eso que se desata este conflicto y a través del cual nos damos cuenta que a pesar de su buena imagen, los hombres de sotana y mujeres del hábito son personas, que, como cualquier otro, se cuestionan lo que les rodea, incluida su propia fe.

Con un trabajo actoral inmejorable, Shanley le da vida a su controvertida obra, una que dejará a más de uno pensando acerca de lo peligroso de la intolerancia entre pares y como está puede agrandar un conflicto que, de portarse de manera sensata, podría tener una solución menos extrema. Las dudas humanas son un tema universal y aquí se dan a conocer en un contexto donde, a primera vista, no tendrian porque existir.

Soy leyenda

Fri, 05 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Ernesto Zelaya

(* * * )

Publicada en 1954, Soy leyenda fue una de las tantas historias en popularizar el concepto de un devastador apocalipsis. La historia del único sobreviviente de una enfermedad mortal influenció a otras obras similares, entre ellas La noche de los muertos vivientes de George A. Romero y fue la base para dos filmes anteriores: The last man on earth de 1964 y The Omega Man de 1971.

Robert Neville (Will Smith) es el último hombre en la tierra, varado en una desierta Nueva York. Sus días se reducen a vagar la ciudad buscando provisiones, escondiéndose cuando cae el sol de un grupo de mutantes nacidos de una supuesta cura para el cáncer que terminó infectando a todo el planeta.

Neville es además un militar, parcialmente responsable por el virus que arrasó con la población. Su única motivación es encontrar una cura que permita devolver todo a la normalidad. Desde el primer minuto, estamos inmersos en la mente de Neville, que carga con la única culpa de lo sucedido al mundo y a su propia familia, y lentamente va cayendo presa de la paranoia y la locura al estar en completa soledad; su única compañía son unos maniquíes a quienes trata como personas y su fiel perro Sam.

Aún cuando se presenta la remota posibilidad de que existen más sobrevivientes, poco importa: Robert está tan inmerso en esta nueva realidad y tan agobiado por sus propios demonios, que difícilmente pueda volver a desenvolverse en sociedad como una persona normal; si es que en algún momento llega a encontrar esa cura, no tendrá otra razón para seguir existiendo.

El trabajo de Will Smith es impecable. Alejado definitivamente del Principe del Rap, y sin ningún asomo de humor como en sus anteriores papeles, el actor construye un sólido protagonista, un hombre torturado, que busca hacer el bien pero que ya perdió su lugar en el mundo. Pocos actores pueden mantener el interés al estar solos por todo un film y Smith lo logra con creces. Casi tan protagonista como él es la impresionante y macabra recreación de una gran ciudad desierta e inhóspita, una Nueva York que realza el sentimiento de aislamiento.

Si bien el climax toma un camino más convencional, donde la pirotecnia y la acción priman sobre el desarrollo de Neville y su incierto futuro, esto no influye en lo anterior, un relato de suspenso en una situación en la que nadie quisiera estar; es una sólida adaptación de una novela que ha influenciado todo lo que es el subgénero del post-apocalipsis, en literatura y cine.

Cloverfield

Fri, 05 Feb 2010 00:00:00 -0500

Reseña por: Ernesto Zelaya

(* * * )

Cloverfield ha sido descrita como un cruce entre El proyecto de la bruja de Blair y Godzilla, un excelente resumen para un atipico filme. Este proyecto, producto de J.J. Abrams, creador de series como Lost o Alias, definitivamente provoca una reacción. Algunos van a odiarla, otros van a aplaudir su originalidad.

Es una novedosa manera de acercarse al género de los monstruos: desde el punto de vista del hombre común, el que no sabe que está pasando y presa del pánico, sólo corre para salvar su vida. El caos resultante de un monstruo atacando Nueva York adquiere repercusión e impacto a través de su presentación: filmado con una cámara en mano, en forma de testimonio mientras seguimos a un grupo de sobrevivientes de cerca en cada paso. El enfoque se mantiene intimo y personal; hay que agradecer la falta de obvios clichés del género,

Sabiendo que menos es más, el director Matt Reeves decide nunca mostrar al monstruo entero, sólo en pedazos y por breves momentos; esto deja que la imaginación de las personas haga el resto y eso justamente es lo que genera suspenso. La mente puede causar más impacto que cualquier imagen en pantalla.

Cloverfield es entonces un interesante experimento fílmico. Sin este formato, sería otro clon de Godzilla, otra típica película de monstruos imposible de tomar en serio. Por más esfuerzo que haga el film en ser verídico y crudo, la ilusión se rompe con la completa falta de lógica de los protagonistas, que, fieles al género de horror, hacen una estupidez tras otra.

La novedad de la película es su formato, una vuelta de tuerca a un género que debido a su simpleza difícilmente puede renovarse. Es una hora y media de tensión, con algunas secuencias bastante logradas e inevitablemente recordando a los atentados del 11 de septiembre en sus imágenes de caos y destrucción. El film está fuertemente influenciado por los eventos de aquella fatídica fecha. Al ver a las fuerzas armadas en un caos general, sufriendo los estragos del ataque, uno se imagina que lo mismo se vivió hace siete años.

Cloverfield es entonces un producto de la época, de la era YouTube y el voyerismo, la posibilidad de que todo acabe filmado para la posteridad, visto desde su agresiva promoción, una campaña viral que supo crear expectativa, tal vez demasiada. Pero más que otra cosa, es un film de monstruos y es mejor verlo de esa manera: una manera atípica de hacer cine, un experimento con fallas pero no por eso menos interesante.