volver a ochoymedio.info

La polla de Óscar

Mar 2, 2014 por Samuel Castro

Los Óscar. O como lo llaman en mi familia, “la noche en que Samuel no contesta”. Siempre es lo mismo, con excepción de que desde el año pasado tuiteo como un poseso en mi TL en @samuelescritor, mientras veo en la pantalla desde temprano la alfombra roja en la que siempre está elegante Cate Blanchett y siempre bien acompañado George Clooney (aunque siempre también con una mujer distinta) que este año tendrá, según parece, la presencia indeseable de las Kardashian. ¿Quién las dejó entrar? Y ya que no podemos resolver eso, propongo entonces. ¡No las dejen salir! Que se queden encerradas para siempre en el teatro, después de que Ellen DeGeneres despida a todos los que se quieren ir corriendo a tomar champaña en las fiestas del Óscar para celebrar o para olvidar los discursos que se quedaron en un papelito en sus chaquetas.

Sé que el título de este post es escandaloso para algún público ibérico pero qué le vamos a hacer, la “polla” es el término que se ha impuesto en nuestro país para hablar de las apuestas por resultados y que se multiplicará hasta el infinito con la proximidad del Mundial. Yo, que de fútbol no sé mucho, prefiero apostar amablemente y a la distancia con Sol, con Ricardo, con Felipe y Juan Carlos, con Carolina y Diana, sobre quién ganará qué cosa en esta noche mágica y criticada por tantos que sólo quisieran estar ahí un ratico, intentando que se les pegue algo del polvo de estrellas que queda regado en la alfombra roja. Estas son mis apuestas y esta noche veremos qué tal me va.

MEJOR CORTO DE ACCIÓN REAL
Aquel no era yo
No sólo se hablará en español cuando gane Alfonso Cuarón. Este corto del español Esteban Crespo está tremendamente bien filmado y narra con ritmo trepidante una de esas realidades duras que los de la Academia parecen descubrir cada año: la de los soldados niños africanos.

MEJOR CORTO ANIMADO
Get a horse!
Nostalgia y vanguardia en un solo corto. Con un tremendo respeto por el legado de Walt Disney (del que se ha hablado no del todo bien gracias a Saving Mr. Banks) y al mismo tiempo con una diversión atrapante, de carrera sin control, como no se veía hace mucho tiempo en los cortos del estudio del ratón, esta pieza es una versión para coleccionistas y para cinéfilos.

MEJOR CORTO DOCUMENTAL
The lady in number 6
Puede que no sea el corto más interesante desde la propuesta audiovisual, pero tiene un tema único: cómo la judía más vieja (murió hace poco sin alcanzar a ver la ceremonia) en haber estado en un campo de concentración tiene una visión optimista de la vida gracias a que la música se convirtió en su manera de salvarse del pesimismo y la tristeza.

MEJOR DOCUMENTAL
The act of killing
Además de denunciar una injusticia política, cosa que les fascina en Hollywood, este documental lo hace experimentando con la forma de una manera tal, que a los votantes de la Academia menos interesados en el tema, los fascinará.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Jagten (The hunt)
Difícil elección. Se dice mucho que los italianos han hecho una gran campaña de lobby para que gane “La gran belleza”. Pero creo que la trama de The hunt y el carisma de Mikkelsen pueden ser más cercanos a la sensibilidad de los votantes de la Academia. Espero no equivocarme.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
Frozen
No hay nada que hacer. Esta película se ha convertido en el último fenómeno Disney y cuando una película de Disney o de Pixar funciona bien ni siquiera Miyazaki puede evitar el premio.

MEJORES EFECTOS VISUALES
Gravity
¿De verdad alguien puede dudar que este premio no se lo va a llevar Gravity?

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO
Gravity
Puede que en el espacio no se oigan tus gritos y básicamente no debería escucharse nada. Pero no es por el “realismo” por lo que nos gustó esta película. ¿O sí?

MEJOR MEZCLA DE SONIDO
Gravity
Ha pasado en contadas ocasiones que la película que gana la mejor edición de sonido no se lleva el de la mejor mezcla de sonido. No será la de este año una de ellas.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
“Let it go” de Frozen
Al igual que a todos en el mundo, Bono cada vez le cae menos bien a los miembros de la Academia y la de Mandela no es una de sus buenas canciones. Así que creo que la gente preferirá premiar los buenos recuerdos que les dejó el musical de Disney.

MEJOR PARTITURA PARA UNA PELÍCULA
Steven Price por Gravity
Steven Price es un nuevo talento, en una categoría que siempre está entre los mismos nombres. Y lo que hace en Gravity es bello y emocionante. Incluso majestuoso. Creo que la Academia también lo verá así.

MEJOR MAQUILLAJE
Dallas Buyers Club
Muy impresionante lo que hacen con el rostro de Johnny Knoxville, pero me niego a creer que la Academia vaya a querer que su respetable sello de calidad esté en la carátula de los DVD de Bad grandpa. Y lo que hacen Adruitha Lee y Robin Mathews con el rostro de Jared Leto y de Matthew McConaughey es fantástico.

MEJOR VESTUARIO
Catherine Martin por The great Gatsby
A Patricia Norris de 12 años de esclavitud la han nominado varias veces, se lo merece y nunca lo ha ganado, pero aquí creo que va a pesar la enorme cantidad de vestuarios de época y trajes de fiesta que implicó esta película. ¡Y alguien tiene que hablar bien de Leo esta noche!

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Catherine Martin y Beverley Dunn por The great Gatsby
Cuando el diseño de producción además de encontrar locaciones tiene que CREAR espacios que ya no existen, el trabajo es abrumador. Y en El gran Gatsby más que en cualquier otra película, se nota muchísimo.

MEJOR EDICIÓN
Alfonso Cuarón y Mark Sanger por Gravity
Cuarón tendrá la oportunidad de incluir en su discurso como director ganador a todos los que se le olvide mencionar cuando reciba su primera estatuilla: esta.

MEJOR FOTOGRAFÍA
Emmanuel Lubezki por Gravity
Sigue siendo una injusticia que el maestro Roger Deakins todavía no tenga su estatuilla, pero esta vez hay que reconocer que al menos la mitad de la belleza formal de Gravity se debe a la visión única de Emmanuel “El chivo” Lubezki.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
John Ridley por 12 years a slave
En un mundo justo este sería el premio indicado para Philomena, por su preciosa combinación de humor y drama, pero la Academia seguramente rendirá con este premio un homenaje al real autor del texto, Solomon Northup.

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Spike Jonze por Her
Muy pocas películas son también historias que representan el tiempo en el que se crean. Cuando alguien quiera entendernos en el futuro, tendrá que hablar de Her.

MEJOR DIRECTOR
Alfonso Cuarón por Gravity
Es el sueño dorado de Hollywood: una cinta que hizo taquillazos impresionantes y que nadie se atreve a negar que es una película de autor. Por eso la estatuilla dorada tiene que ser para ese autor.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Lupita Nyong’o por 12 years a slave
Aparte de que creo que la de Jennifer Lawrence no es una buena actuación, como tantos tipos ciegos por su belleza han dicho, pienso que Hollywood no quisiera graduarla tan rápido de fenómeno de la actuación. Nyong’o, de alta calidad en su presentación y belleza indiscutible, les ofrece la alternativa perfecta para quedar bien y hacer justicia.

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Jared Leto por Dallas Buyers Club
Es muy fácil caer en el estereotipo de “la loca” cuando se interpreta a un personaje como el de Rayon. Pero Leto evita todos los clichés y carga de humanidad su interpretación, haciéndolo inolvidable para los espectadores.

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL
Cate Blanchett por Blue Jasmine
Como creo que éste es un Óscar que ya está cantado y que nadie se va a dejar extorsionar por las campañas anti-Allen que ha impulsado Mia Farrow, la pregunta es: ¿volverá a emocionarnos en su discurso la preciosa Cate recordando a Philip Seymour Hoffman como lo hizo en los Bafta?

MEJOR ACTOR PRINCIPAL
Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club
Olvídense de los kilos que perdió y recuerden la escena de él como Ron Woodroof en el carro, ahogándose con el llanto mientras piensa qué demonios va a hacer con su vida. Que la dieta no sea lo importante sino su interpretación excepcional de un personaje al que encarna con un compromiso que nadie puede negar. Ni el pobre Leo, que este año también verá que no puede alcanzar un premio que desde hace rato se merece.

MEJOR PELÍCULA
12 years a slave
Gravity le encantó a todo el mundo, es cierto. A mí el primero. Pero creo que 12 years a slave se llevará el Óscar porque además de ser una cinta “importante” y representativa de una época de la historia de Estados Unidos y de estar bellísimamente actuada y filmada, nunca una película que “parezca” de ciencia-ficción se ha llevado el Óscar. Y además hay una ñapa: no es poca cosa que el cierre de la ceremonia sea ver a Brad Pitt, el productor, recibiendo el Óscar.

Ya llega la ceremonia. Ya están los 24 vaticinios de la polla. Ya veremos ahorita, mientras tuiteamos todos, qué tan desacertado o afinado estuve. A ver si en unos meses me le mido a la polla del Mundial.

Las 12 del 13. Mi selección de las mejores películas del año

Dec 24, 2013 por Samuel Castro

Si uno ve una buena película cada mes, al menos una, la vida es mejor. Las buenas películas nos brindan temas para iniciar una conversación con los amigos de siempre, revelan dimensiones del mundo que no conocíamos, permiten que mantengamos la sana costumbre de escuchar (y ver) historias. Por eso esta selección es como un regalo para 2014 más que un resumen. 12 películas que pueden hacer del 2014, si las vemos, un mejor año.

About time

About time (Cuestión de tiempo): Richard Curtis, su director y guionista, el mismo de Love actually y Notting Hill sabe que el amor es cursi y maravilloso al mismo tiempo. Y es uno de los pocos capaz de traducir esa idea en una buena historia.

Silver linings playbook

Silver linings playbook (Los juegos del destino): Gracias a unas muy buenas actuaciones, nos emocionamos con una historia de amor entre dos seres débiles que no sabían que eran el uno para el otro.

La reina infiel

En kongelig affære (La reina infiel): Revelarnos a un personaje que logró imponer ideas que se adelantaron a la Revolución Francesa, es una de las muchas cualidades de esta película histórica.

Las nieves del Kilimanjaro

Les neiges du Kilimandjaro (Las nieves del Kilimanjaro): Una historia simple sobre personas simples es capaz de generar reflexiones sobre conceptos complejos como la justicia y la lealtad.

No

No: La salida de Pinochet del poder contada desde un ángulo que no conocíamos: la campaña publicitaria que permitió el éxito del referendo político que parecía destinado al fracaso.

Jagten

Jagten (La cacería): La actuación extraordinaria de Mads Mikkelsen permite que comprendamos lo fácil que es dañar la vida de alguien con una calumnia.

Stoker

Stoker (Lazos perversos): Tal vez la película visualmente más excitante y atractiva que pasó por las salas colombianas en 2013. Una clase maestra de transiciones y del uso de los elementos visuales para potenciar una historia.

Blancanieves

Blancanieves: Un cuento clásico que impacta por la forma original en que se cuenta: en este caso, sin palabras y a través del mundo de la tauromaquia.

Gravity

Gravity (Gravedad): ¿Quién dijo que ya no podían asombrarnos con una historia que sucediera en “el espacio exterior”? Adolfo Cuarón demuestra que el cine todavía nos puede dejar con la boca abierta.

Searching for sugar man

Searching for Sugar Man (Buscando a Sugar Man): Sin duda el documental del año. Una historia sobre un músico que, sin saberlo, era una estrella al otro lado del mundo.

Before midnight

Before midnight (Antes de medianoche): Richard Linklater logró consolidar con la tercera parte de esta trilogía, la historia de amor que ha marcado a una generación.

Amour

Amour (Amor): El nocaut emocional más duro que el cine nos propinó durante este año. La prueba de que hay amores que ni siquiera la muerte puede derrotar.

Causa tristeza que muchas de estas películas no hayan estado en exhibición más que una o dos semanas por falta de público. Ojalá que uno de los propósitos para 2014 sea atrevernos a ver otros tipos de cine, otros lenguajes, otras historias, y así los distribuidores se atrevan a regalarnos más variedad en nuestra cartelera. Para que el próximo diciembre sea todavía más difícil hacer esta selección.

Lloro por quererme

Aug 15, 2013 por Samuel Castro

Todos nos acordamos de nuestra primera vez. La mía fue a los 12 años. Sólo yo estaba en casa cuando ocurrió. Frente a mí, sin que mis lágrimas la conmovieran, Winnie Cooper terminaba su noviazgo con Kevin Arnold en Los años maravillosos. El dolor por lo que estaba viendo era tan grande que el llanto se dio espontáneamente. De ahí en adelante, llorar frente al televisor se volvió costumbre. ¿Alf volvía a su planeta y dejaba a los Tanner? Lágrima inmediata. ¿El padre Pío Quinto fallecía frente a sus feligreses en San Tropel? Mi mamá y yo teníamos que compartir pañuelo. Y mejor no hablemos de mi cara roja y congestionada cuando murió Juliet en Lost.

The wonder years

Pero ¿por qué lloramos frente al televisor? Si sabemos que lo que vemos son mentiras bien contadas. Si incluso conocemos los nombres reales de los actores y nos reímos con los chismes sobre sus vidas que nos cuentan en E!. ¿Qué nos impulsa a ese lagrimeo incontrolable? Se me ocurre pensar que en este mundo despiadado que nos tocó en suerte, es muy incómodo llorar en público: cuando no hay un desconocido que se acerca a preguntarnos qué nos pasa, hay un compañero que nos mira con cara de vergüenza ajena, por tener que soportar a un adulto que llora. Si lloras te ven como a un bicho raro, incapaz de controlar sus emociones.

En cambio en casa, frente al brillo tibio del televisor, nadie nos juzga. Podemos sollozar tranquilos sin excusas y sin explicaciones. Podemos incluso buscar intencionalmente el llanto sintonizando, por ejemplo, Extreme makeover home edition, ese programa donde le regalan la casa de sus deseos a familias que lo merecen o que lo perdieron todo por alguna desgracia. ¿Lo conocen? Resulta imposible no llorar viéndolo. Es mejor aun que pelar cebollas. Y es que después de años de acompañar las horas de soledad con su voz distante y sus imágenes sorprendentes, el televisor se ha convertido en ese amigo que siempre está ahí, en el consejero de los momentos difíciles, en la bulla amable que nos ayuda a dormir después de un día agotador en la oficina.

Extreme makeover

Aquellos que no entienden por qué nos hace llorar una serie, una telenovela o un reality, son los mismos que no se conmueven cuando un amigo pierde su trabajo y que nunca dedicaron una serenata. Porque llorar frente al televisor es, finalmente, la forma moderna de desahogo que nos queda a los sentimentales de siempre, a aquellos que piensan en sus personajes favoritos como en amigos lejanos. A los que sabemos que en lugar de estar solos, es mejor estar mal acompañados.

Publicado originalmente en revista Únete #39 de noviembre de 2010

Un clásico de juguete

Jul 7, 2013 por Samuel Castro

La anécdota es ya uno de esos mitos del mundo del cine que se enriquecen con detalles cada vez que se cuentan, como la obsesión por las rubias de Hitchcok o los percances en la filmación de Apocalypse now (1979). Varios de los más importantes ejecutivos de Disney acaban de dejar la sala donde les han relatado el argumento, escena por escena recreadas con dibujos en papel, de la próxima película que pretende estrenar el estudio Pixar, utilizando la marca de Walt como sombrilla. Acaban de salir y aún no se reponen de la impresión. La película es un asco. Está llena de bromas crueles, de chistes violentos, de un humor negro que provoca angustia más que risa. Alguien pregunta: “¿Qué pasó?” y la voz de otro más sincero contesta: “Hicieron lo que les dijimos”. Muchas sugerencias. Demasiados consejos acerca de “lo que gustaba al público” por parte del gran estudio que la gente de Pixar, inexperta, había asumido como órdenes. El fracaso estaba a la vuelta de la esquina.

John Lasseter

Y aquí viene la parte de la historia que la convierte en leyenda. John Lasseter, enfundado en su eterna camisa de motivos hawaianos, sale a pedirles a esos mismos ejecutivos que le den dos semanas, que en dos semanas van a tener una historia que les guste y que permita que todos esos animadores que ya han contratado, puedan comenzar a trabajar. Probablemente aceptaron por la cara de angustia que vieron en el animador californiano y porque no tenían nada que perder  (¿qué posibilidades había de que arreglaran aquel desastre?), sin saber que ese mismo tipo, en menos de 20 años se convertiría en el jefe creativo de los estudios Disney.

Toy story 6

Toy story (1995), que muchos reconocemos como un clásico del cine, se creó en quince días. En esas dos semanas, Joe Ranft, (que después sería co-director de Cars), Andrew Stanton (director de Finding Nemo y de WALL-E) y Pete Docter (director de Monsters Inc. y de Up) junto al mismo Lasseter, dibujaron y escribieron una historia donde desaparecía todo el sarcasmo que habían incluido y los dos protagonistas convertían la trama en una típica buddy movie, ese subgénero cinematográfico en el que dos personajes muy distintos entre sí deben convertirse a la fuerza en compañeros y enfrentar juntos una serie de peripecias. En vez de hacerle caso a los manuales de instrucciones decidieron hacer justo lo que ellos creían que era lo correcto: que no hubiera realmente “villanos”, que las canciones se redujeran al máximo posible, que todos los personajes hablaran, pensaran y se comportaran como adultos (con excepción, por supuesto, de los niños). Y la fórmula funcionó. Toy story consiguió la financiación necesaria y se convirtió en el primer largometraje diseñado enteramente por computador de la historia del cine. Pero más que eso (que podría haber sido una casualidad cronológica) gracias a la calidad de su historia, al manejo del humor y a la frescura de sus personajes, Toy story fue la película que volvió a reconciliar a los adultos con la animación, que mostró que se podían hacer películas “familiares” que no fueran estúpidas y que convirtió a Pixar en una de las marcas más respetadas, admiradas y reconocidas en el mundo del cine.

Una de vaqueros y una del espacio

Toy story 5

A veces olvidamos lo deliciosamente anacrónica que es Toy story. ¿Realmente cuántos niños jugaban con vaqueros de juguete en los años noventa? Pero ese era un detalle en el que no reparamos (siempre pasa con las buenas historias) porque estábamos maravillados con ese mundo que se despertaba cuando nadie estaba viendo. Casi todos los adultos que acompañaron a sus hijos a las salas de cine en 1995 se encontraron recordando con nostalgia sus propios juguetes: el hombre forzudo, los soldados de plástico, la alcancía de cochinito, el tablero mágico, el Señor Cara de Papa. Ese fue el astuto anzuelo que Pixar le lanzó al público para que se identificara con la historia del juguete preferido que es desplazado por uno más bonito y más moderno, y que tras muchas peripecias se ve trabajando en equipo con el otro para enfrentar el peligroso mundo exterior y lograr volver a casa, sanos y salvos. Era una situación que todos podían entender: por un lado casi cualquiera ha sentido alguna vez que alguien nuevo llega a deslumbrar y a quitarlo del centro de atención; por otro, todos sabemos que un amigo te salva de morir en tu primer día de colegio, que un amigo hace que la oficina nueva no sea tan despiadada. Por eso, por lograr contarnos una historia universal vestida con el ropaje asombroso de una clase de animación que nunca habíamos visto y que se parecía tanto a la vida real, Toy story le llegó al alma a millones de personas.

Como ocurre con las grandes películas, ¡hay tanto cine en Toy story! Un amor por la historia del séptimo arte estadounidense que se va haciendo evidente conforme pasan los minutos Todo es más claro cuando sabemos que en principio, Lasseter y compañía quisieron que las voces de sus personajes principales, el vaquero Woody y Buzz Lightyear fueran las de Paul Newman y Jim Carrey. Su idea era mostrar cómo el “viejo” Hollywood iba siendo desplazado por esas “nuevas” estrellas, que estaban transformando el negocio.

Toy story 1

Por eso Toy story comienza siendo un western (que narra en sus juegos Andy, mientras usa a sus juguetes para armar la fantasía), se convierte en una película de guerra (con la ya antológica secuencia de los soldados de plástico en su operación para averiguar cuáles eran los regalos de Andy por su fiesta de cumpleaños), pasa por la ciencia-ficción (con los marcianitos mirando asombrados al cielo donde los iba a recoger la nave madre), se transforma en una película de terror (en las escenas donde intervienen los “monstruos” que ha creado Sid, el niño “malo” vecino de Andy, que ha cambiado cabezas de lugar y ha destripado a todos sus muñecos), y termina en una persecución digna de cualquier filme de acción. Todos los géneros en uno, como desafiando a cualquiera que se atreviera a decir que la animación era un juego de niños. Y por si eso fuera poco, los reemplazos en las voces (Tom Hanks y Tim Allen) haciendo un trabajo sobresaliente en su tarea de darle vida a los diálogos de esa comedia de enredos que se producía por la creencia de Buzz Lightyear de ser realmente un integrante de la Patrulla Espacial. ¿Qué niño no sabe hoy a qué personaje nos referimos cuando escucha la frase “Al infinito y más allá”? ¿No forma parte de las sentencias mejor dichas del cine la de Woody desesperado gritándole a Buzz “¡You are a toy!”? Eso es lo que hacen los clásicos: se instalan en nuestra memoria y se convierten en parte de los referentes que tenemos para entender el mundo.

Durante los siguientes años hubo muchas personas que creyeron que el mérito de Toy story estaba en la técnica y por eso nos llenamos de cintas animadas con historias tontas y predecibles que nada nos decían. Por fortuna, haciendo honor a su pieza fundacional, siempre estuvo Pixar para recordarnos que hoy y siempre, en 3D o en dibujos a lápiz, el asombro y la magia provienen de las buenas historias.

Publicado originalmente en Revista Kinetoscopio N°90

¿Por qué matamos a Betty si era tan buena muchacha?

Jun 7, 2013 por Samuel Castro

Cuando hace tres años un amigo me contó que estando de vacaciones en París (¡en París!) había perdido toda una mañana de su paseo, irremediablemente “enganchado” a la televisión de su cuarto con la versión local de Yo soy Betty, la fea, comprendí que la magia de esa historia no estaba en su reparto o en sus diálogos (mi amigo no entendía ni jota de francés), sino en la originalidad de la historia: la protagonista más fea que recordáramos triunfaba gracias a su cerebro en el medio donde la imagen es más importante: la moda. Aquella historia fue el punto máximo de lo que caracterizaba ya a la telenovela colombiana: alterar lo suficiente el esquema clásico del melodrama haciendo que pareciera algo nuevo.

Betty la fea

Hace treinta años las telenovelas eran iguales, lo único que cambiaba era el nombre de piedra preciosa de la protagonista: Esmeralda, Topacio, Rubí. México y Venezuela habían creado una industria televisiva que vendía sus productos a todo el continente y que hacía telenovelas como quien fabrica salchichas: igual sabor, igual tamaño. Pero como ocurrió con algunos movimientos cinematográficos importantes (el neorrealismo italiano, la “nueva ola” francesa), fueron las peculiares necesidades de producción y profesionalización del medio colombiano las que permitieron que aquí pasaran cosas distintas. Como nadie era dueño de los canales, sino de los espacios en ellos, las productoras tenían que competir entre sí con propuestas muy diversas para diferenciarse: algunas exploraban los misterios y coqueteaban con las tramas de terror en telenovelas como Los Cuervos o La abuela; otras exploraban los universos peculiares colombianos, especialmente el costeño, con Gallito Ramírez o Caballo viejo; o se adelantaban décadas a Glee combinando telenovela con musicales, como en Música maestro o en Quieta Margarita. Aquí no hacíamos salchichas sino platos a la carta donde todo era posible: que el protagonista fuera un cura de pueblo o que creáramos una telenovela infantil, con un monstruo que se llamaba Guri-Guri. Y tal vez porque vivíamos una época en que las noticias diarias ya nos contaban suficientes sufrimientos, se convirtió en un requisito que los personajes secundarios y las tramas estuvieran llenos de humor.

La hija del mariachi

En 1994 llegó Café, que tenía todo lo anterior (humor, mundo regional, música) y le añadía una heroína con carácter y una conspiración empresarial al asunto. Fue el boom. El mundo entero quería estas novelas distintas que no se parecían a ninguna. Vinieron Betty y Las Juanas y La hija del mariachi. Pero con la internacionalización, aparecieron demasiados actores con cuerpos de modelos, historias mafiosas (que al ser universales también se venden) en las que hay balas en vez de humor y empezamos a copiar libretos en vez de escribirlos. Hoy por desgracia, aquello que nos dio reconocimiento, la identidad de nuestros melodramas, peligra porque dejamos a un lado la risa y el riesgo creativo y nos creímos aquello de que sin tetas no hay paraíso.

Publicado originalmente en revista Únete #37 de septiembre de 2010

Guía de comportamiento en cine para mamás

Apr 21, 2013 por Samuel Castro

Uno sabe que ya no es de “última generación” cuando empieza a indignarse: es la ley de la vida. Nos indignamos entonces con el equipo de sonido del carro de al lado, que hace retumbar el pavimento al ritmo de reguetón. Nos indignamos con los precios del agua en los restaurantes, pensando que es el colmo que no sea gratis. Y nos indignamos, claro, con los adolescentes que van a cine. No todos son unos bárbaros salvajes, por supuesto. Pero casi todos se comportan como si estuvieran en la casa frente a su televisor (seguro por eso nos patean cuando apoyan los pies en nuestra silla) Es la maldición del DVD: han olvidado la solemnidad que tenía hace unos años la sala en penumbras (¡y los viejos teatros!, los pobres chicos no tienen ni idea de lo bueno que era no tener que visitar un centro comercial para ver una película) Ya que el asunto es que se portan como en la casa, son las mamás (aunque estén en su mes, aunque las queramos tanto) quienes van a tener que educarlos antes de que los indignados derramemos una Coca Cola sobre sus hijos por el desespero.

Desde esta columna vamos a darles una mano y a compartir una guía práctica para que transformen a sus pequeños duendes en los angelitos que ustedes están seguras de haber criado, al menos en cine:

Crispetas

  • Compren maíz pira: como los niños de hoy no saben preparar crispetas (no sin un microondas a mano), creen que lo que cobran por un tarro está perfectamente bien. Mamás, hagan que entiendan que es un robo a mano armada, dándoles un puñado de maíz pira y diciéndoles lo que cuesta para que dejen de comer como náufragos, haciendo ruido durante media película. O hagan que se coman todas las crispetas (¡estos niños criados por Cartoon Network les dicen dizque “palomitas”!) a ver si dejan de regarlas por los pasillos.
  • Decomisen baterías: sólo una de cada 10.000 llamadas que se reciben en el mundo no puede esperar hora y media. Y es poco probable que sea un adolescente quien la reciba. Así que, por lo que más quieran, consigan que sus hijos apaguen o pongan en silencio o incineren sus celulares antes de entrar a una película. Y si sus ringtones son canciones de Wisin y Yandel o de Don Omar, donen los aparatos a una institución de caridad, donde seguramente serán usados para algo más que decir “Bien, aquí en cine, ¡en una película lentísima! De las que le gustan a mi papá”.

 ninjas del cine

  • Usen esparadrapo: yo supongo que son los audífonos que llevan colgados a toda hora los que consiguieron que los adolescentes pierdan el oído. Por eso han olvidado lo que significa susurrar y por eso tenemos que aguantarnos sus conversaciones a voz en cuello, durante los trailers, en medio del beso de los protagonistas, cuando está a punto de aparecer el asesino. Esto nos lleva a sus deberes, madres. Deben comprar una buena provisión de esparadrapo y sellarles la boca a sus hijos, para que miren cómo se hablan las personas bien educadas entre sí cuando ven una película.
  • Vayan a cine con ellos: el hecho de que sea un descanso para ustedes cuando ellos no están en casa no es justificación. Doce años sigue siendo una edad insuficiente para tomar decisiones responsables y ustedes estarán labrando su propio futuro si dejan que sus hijos vean La masacre de Texas en vez de Ratatouille.

Por lo demás, queridas mamás, simplemente les pedimos que hagan con sus hijos lo que las nuestras hicieron con nosotros. Acciones sencillas, como no permitir que coman con la boca abierta. Cosas simples, como lograr que los únicos monstruos en una sala de cine, estén en la pantalla.

Artículo publicado originalmente en revista ÚNETE #33 de mayo de 2010

La mujer de nuestros días. Y nuestras noches

Mar 13, 2013 por Samuel Castro

Peter Jackson debería pasar a la historia del cine por razones distintas a la de convertir en imágenes la Tierra Media descrita por Tolkien en El señor de los anillos o revivir al simio más famoso de la pantalla grande en su versión de King Kong. Lo más importante que ha hecho el director neozelandés (y quien opine lo contrario tal vez no deba seguir leyendo este artículo) es escoger para uno de los papeles centrales de su película Heavenly creatures (1994) a una actriz de 18 años cuya experiencia en pantallas se limitaba a algunos comerciales televisivos y una sitcom sin éxito. La jovencita era Kate Elizabeth Winslet, hija, nieta y hermana de actores británicos, dueña de un rostro ambiguo, hermoso pero brusco, que le permite encajar en cualquier tipo de personaje sin mucho esfuerzo, desde la noble princesa de A kid in King Arthur’s court (1995) hasta la criada de Quills (2000)

Kate Winslet 7

Cuando le  dieron la noticia de que había sido escogida, Kate estaba armándole un sánduche de pavo a uno de los clientes del delicatesen donde trabajaba para completar sus ingresos. El llanto fue imposible de atajar y el sánduche se quedó a medio hacer mientras ella salía corriendo del local, llena de emoción. Si algo tiene que ver el primer papel de cine de un actor con la suerte de su carrera, la interpretación de Juliet Hulme, la señorita inglesa refinada y cuasi histérica que compuso Winslet en Heavenly creatures, donde debía reír como una poseída, llorar a mares, toser enferma de tuberculosis, correr agitando los brazos en medio de un valle verde y florido, cual Julie Andrews en The sound of music, cantar y mostrar una actitud fría y temible al cometer un asesinato, reflejan la versatilidad de esta estrella inclasificable, capaz de renunciar a proyectos seguros como Shakespeare in love (1998) donde iba a tener el papel que le dio el Oscar a Gwyneth Paltrow, por películas que la reten como actriz; que nunca nos aburre porque siempre nos muestra que es capaz de una nueva transformación, más compleja que la anterior.

Kate Winslet 8

En una escena de la película, Juliet sale corriendo de una sala de cine y luego de besar el cartel de The great Caruso (porque su amor platónico es Mario Lanza) se acerca a un pordiosero y lo abraza, como agradeciéndole algo. Ese pordiosero es Peter Jackson en uno de sus acostumbrados cameos, y el agradecimiento era válido porque con su participación en esta película, Winslet consigue el suficiente reconocimiento para ser llamada por Ang Lee a probar suerte en Sense and sensibility (1995) donde deslumbra a la crítica con una interpretación que le brinda sus primeras candidaturas al Oscar y al Globo y con el que gana el Bafta como actriz de reparto. Una estrella había nacido.

Kate Winslet 2

La mujer que corre Kate Winslet se ve bien corriendo. Corre por un muelle de madera en Heavenly creatures, vistiendo traje de baño enterizo azul, con un estampado de moños rojos que la hace parecer un regalo, un regalo de piel y músculos que se muestran sin pudor. Corre por la borda del Titanic (1997) con el pelo rojo encendido, suelto, junto a su amigo del alma de ahí en adelante, Leonardo DiCaprio, con quien deberá compartir la fortuna y la tragedia de ser las estrellas de la película más taquillera de la historia. Corría medio borracha, interpretando a la actriz irlandesa Iris Murdoch en Iris (2001) papel que le daría su tercera nominación al Oscar. Corre muerta de la risa sobre un lago congelado en Eternal sunshine of the spotless mind (2004), convertida en Clementine, una de las 100 mejores interpretaciones de todos los tiempos según la selección hecha por la revista Premiere en 2006. Y corrió, hace un par de años, para gritar y escapar de la vida rutinaria que le ofrecía su marido, otra vez DiCaprio, en la maravillosa y poco valorada Revolutionary road (2008).

Kate Winslet 4

Verla corriendo es disfrutar la metáfora más adecuada de lo que ha sido su trayectoria, una verdadera competencia de velocidad para llegar más y más lejos. Cada vez que Kate Winslet es nominada a un Oscar vuelve a convertirse en la actriz más joven en recibir esa cantidad de nominaciones. Hoy, con las seis que tiene, es la única intérprete en ejercicio (si Dakota Fanning y Abigail Breslin no hacen algo para volver más serias sus carreras) con posibilidades reales de superar el record de quince nominaciones que ostenta Meryl Streep. Porque sin apartarse del material comercial, Winslet ha hecho de la selección de personajes la clave para convertirse en la mejor actriz de su generación (otra vez, quien no esté de acuerdo, es mejor que se abstenga de seguir leyendo), con interpretaciones fascinantes que salen de su alma y que no la obligan a imitar personajes históricos archiconocidos (cantantes francesas, reinas inglesas) a alterar su cuerpo (llámese narices postizas, crecimiento de músculos, aumento de kilos) o a intentar ser una desquiciada, como la mayoría de ganadoras del Oscar los últimos 10 años.

Kate Winslet 3

Es como si necesitara demostrar a cada instante que es buena. Que su gesto de amargura cuando Helen Hunt le ganó en la competencia del Oscar de 1998 fue sólo un desliz de inmadurez ya superado. Como si nos pidiera perdón por ese alarde de soberbia. Por eso las palabras de Marione Cotillard cuando presentaba su nominación en la ceremonia de 2009, donde por fin la estatuilla dorada terminó en sus manos gracias a su papel de guardiana nazi analfabeta en The reader (2008) son totalmente ciertas: su gran virtud es que el público nunca pierde la conexión con el personaje representado, que nunca estamos viendo a Kate Winslet corriendo, o a Kate Winslet disfrazada (como nos ocurre tantas veces con Angelina Jolie o con Nicole Kidman) sino a Rose, la mujer decidida en el siglo equivocado (y en el barco equivocado) o a Bitsey Bloom, la periodista que quiere impedir una sentencia de muerte en The life of David Gale (2003), o a Sarah Pierce, la madre de familia que no siente el amor que debería por sus hijos en Little children (2006). Vemos a través de su rostro, los espíritus de otras personas, mentiras verdaderas; en últimas, vidas en las que podemos creer, el objetivo que cualquier actuación debería tener.

Kate Winslet 5

Real actresses have curves

Kate Winslet tiene la fabulosa capacidad de ser otra siendo la misma. Salvo la voz, cuyo tono, acento y dicción cambia cada vez que se le antoja de acuerdo con el personaje, siempre vemos a esa mujer de boca generosa, dientes grandes, cejas tupidas y una nariz muy poco respingada que debe hacer babear a los cirujanos plásticos con ganas de uniformar la belleza. Toda ella es redondeada: sus mejillas sobresalientes, sus tetas suntuosas, ese lunar que parte la línea entre su nariz y su boca, las caderas amplias que contagian de amplitud a sus nalgas. Kate es una mujer real, una mujer que no necesita parecer (¿cómo Keira Knightley, como Natalie Portman?) un maniquí famélico para verse hermosa. Y que es más hermosa gracias a su talento.

Kate Winslet 6

Hay una frase que Winslet pronuncia encarnando a la Clementine de gestos bruscos, la del amago de paso adelante que acepta a subir al auto que conduce Jim Carrey, la del pelo multicolor: “Bebe. Hará que la seducción sea menos repugnante”. Tal vez sea la única frase que viniendo de sus labios jamás creeríamos. Porque con ella, la seducción siempre será posible. Todos los días y todas las noches.

Una primera versión de este texto fue publicada en la Revista Kinetoscopio en marzo de 2009

Remakes: películas remedio, remedos de historias

Feb 7, 2013 por Samuel Castro

Piense en la primera cita romántica que tuvo con esa mujer que le gustó o con aquel tipo que le fascinaba. Todo era perfecto: la conversación fluía, la comida estaba deliciosa, a su pareja se le ocurrieron chistes muy ingeniosos y ninguno de los dos se quería despedir cuando la noche se acabó. Ahora imagine que al día siguiente todo se repite exactamente igual: las palabras, el menú, el restaurante. Pero quien está al frente suyo es otra persona. Parecida pero otra. Eso es un remake. Aquella palabrita gringa con la que se nombran los films que están basados en otra película o en una serie de televisión.

The departed

Es casi obvio entonces por qué los remakes casi nunca funcionan bien. Y digo casi nunca porque en el cine, como en la vida, no hay verdades absolutas. ¿Recuerdan los más adultos o los que sintonizan canales como MGM y TCM esa genial película de gángsters de 1982 que es Scarface, en la que Al Pacino se fajaba una actuación antológica? Pues esa película era un remake de la original Scarface, que ninguno de nosotros vio, porque estuvo en cines en 1932. Incluso, en contadas ocasiones, el remake es mejor que el original, como The departed, que superaba por mucho a la película hongkonesa en la que se basaba: Infernal affairs. No era sólo que se cambiaba a los protagonistas de ojos rasgados por Matt Damon y Leo DiCaprio. Era que detrás del asunto estaba un maestro como Martin Scorsese, que supo tomar el material original y volverlo una película con su firma narrativa.

The ring

Pero esas son excepciones. La dura realidad es que los remakes se hacen porque el cine es un negocio y como en todo negocio, alguien quiere minimizar los riesgos, haciendo de estas cintas un remedio fácil para la salud de la economía cinematográfica. La lógica de los productores es ¿para qué buscar una idea original si hay pilas de ideas que ya demostraron que funcionaron? Es decir, ¿para qué tomarse la molestia de usar el cerebro? Y es allí donde radica el problema: pareciera que a los guionistas de remakes los sacaran del pabellón de lobotomías de un hospital. Por eso surgieron cosas tan terribles como Godzilla, que convertía al antiguo y respetable monstruo japonés en una lagartija con gigantismo perseguida por idiotas o esas versiones descafeinadas de El aro que protagonizaba Naomi Watts? ¿Cómo no enojarse cuando aquellos dibujos animados como el Inspector Gadget o Mr. Magoo que tanto nos divertían cuando niños, perdían su gracia desde que a alguien se le ocurría volverlos de carne y hueso?

Evil dead

Pero la tragedia no parará. La crisis económica ha hecho que en el mundo entero y especialmente en Hollywood haya menos espacio para el riesgo (y más espacio para los muertos resucitados que son los remakes). En los próximos meses tendremos que soportar las nuevas versiones de Evil dead, de Dirty dancing, de Robocop. Y cuando salgamos, inevitablemente tristes por la comparación con las historias y las imágenes que teníamos en nuestros recuerdos, menos perfectas pero tal vez por eso más ingeniosas, pensaremos que lo bueno de que la industria cinematográfica colombiana esté en pañales es que todavía no tenemos remakes y no hay que ver a Sebastián Martínez reemplazando al Gordo Benjumea, en la nueva versión de El taxista millonario. Por ahora.

Eduardo Sacheri: del Hay Festival al Blogumental

Jan 24, 2013 por Samuel Castro

Gracias a la amable gestión de la Oficina de Prensa del Hay Festival Cartagena y luego de poder asistir a una especie de “inauguración no oficial” del evento en la que se destacó la importancia de la lectura en la educación, Ochoymedio pudo entrevistar a Eduardo Sacheri, el escritor argentino autor de “La pregunta de sus ojos”, la novela en la cual está basada la extraordinaria cinta de Juan José Campanella, El secreto de sus ojos, de la cual Sacheri es también coautor del guión. Además de hablar sobre algunos detalles de su escritura, de profundizar en ciertas particularidades de la adaptación de su novela al cine, y de sacarle algo de información sobre su próximo proyecto con Campanella, la cinta animada Metegol, Sacheri accedió a responder el ya famoso cuestionario que conocemos en estas páginas como Blogumental.

Sacheri 3

Usted fue profesor de historia. ¿Qué tanto y de qué manera se fija usted en “la historia oficial”, sus datos y anécdotas, a la hora de hacer un relato de época, o que ocurre en el pasado?

Me parece importante que la ficción que uno decide narrar encuentre un marco verosímil en el entorno histórico social. Si bien yo no escribo “novelas históricas” me parece útil y necesario que mis personajes y sus vidas tengan, como telón de fondo, los horizontes, expectativas, valores y posibilidades de la época en que están situados.

Uno de los momentos más emocionantes, por lo menos para mí, de El secreto de sus ojos, es cuando Sandoval explica con el fútbol lo que significa la pasión. ¿Por qué cree usted que hay tan pocas películas, tan pocas obras de arte, que logran transmitir lo que significa el fútbol para tantas personas?

Creo que existe una vieja desconfianza del mundo intelectual y artístico hacia el terreno de la cultura popular, sus manifestaciones y sus valores. Creo que el fútbol ha sucumbido a ese prejuicio durante muchos años. Sin embargo, creo también que en los últimos años esa prevención ha retrocedido en la mirada de muchos creadores. Un camino inconcluso, tal vez, pero por el que se comienza a transitar.

¿Por qué escribir el cuento “El hombre”, que contaba la historia de Isidoro y Ricardo Morales, antes de que surgiera “La pregunta de sus ojos”?

Cuando me propuse escribir esta historia (cuyo tema central me rondaba desde hacía muchos años) yo había incursionado en el género del cuento, pero no me había atrevido a encarar el trabajo de largo aliento que significa escribir una novela. Hice varios —numerosos— intentos de que la historia entera cupiese en un cuento. Naturalmente, fracasé. Y cuando me reconcilié con ese fracaso decidí escribir un cuento que narrase un día, un solo día, de esa historia que abarcaba tres décadas. Y publicar ese cuento. Cuando fuese capaz de escribir la novela, le daría la chance a mis lectores más asiduos de establecer el vínculo entre ambos textos. Me encanta —como lector— cuando un escritor me propone ese guiño. Pienso, por ejemplo, en García Márquez y su Coronel (de “El coronel no tiene quien le escriba”), que atraviesa —cargando el tesoro revolucionario— un par de páginas de “Cien años de soledad”. Me encantan esos guiños. Y espero que se me disculpe la osadía de citar un antecedente de esa envergadura, claro.

Sacheri 2

¿Qué tan difícil fue para usted cambiar lo que ocurría en el interrogatorio a Isidoro que hacían Sandoval y Benjamín en la novela, por la versión que al final quedó en la película?, ¿cómo lo hizo?

Fue difícil pasar de una provocación eminentemente masculina, entre hombres, a otra en que el elemento femenino era tan importante. Sobre todo, encarnar esa provocación en Irene, que era un personaje tan contenido, tan poco corpóreo, en algún punto. Creo que la solución fue convertir esa escena en un punto de auto revelación para el propio personaje. Una especie de “Descubro en este instante de lo que soy capaz de provocar”. Las conversaciones con Campanella fueron también determinantes, en hallar el tono correcto para eso.

¿Qué diferencias hay en escribir el guión de una película que tendrá actores frente a la cámara y escribir una película animada, como Metegol, donde todo, teóricamente, es posible?

Bueno, la verdad es que desde mi posición de guionista no me representó tantas diferencias. Tal vez, por mi propia inconsciencia, de no tomar demasiado en cuenta los límites concretos en una producción con actores. Pero creo que, sobre todo, se debe a que en ambas películas el acento está puesto en los personajes, en su evolución, en su crecimiento a lo largo del filme. En ese sentido, Metegol es una apuesta muy ambiciosa desde lo visual, pero sobre todo es una historia de personajes, que viven, sienten y cambian. O al menos esa es mi perspectiva.

Sacheri 1

Blogumental

¿Recuerda qué sintió al ir al cine por primera vez?

Puedo poner esa respuesta en tiempo presente. Cuando se apagan las luces, y me envuelve el sonido, y esas imágenes enormes se me vienen encima, vuelvo a sentir cada vez la misma maravilla, el mismo asombro y el mismo placer que la primera vez.

¿Cuáles son las películas de su vida que puede comparar con (haberlas visto fue para usted) un gran evento como la primera comunión o la graduación o el matrimonio?

Si tienen que ver con mi vida, sabrá dispensar el lector que su impacto tenga que ver con la edad en que las vi. Robin Hood (la versión de dibujos animados de Walt Disney). E.T., de Spielberg. Cinema Paradiso, de Tornatore. El Padrino, de Coppola (la descubrí tarde, pero me marcó absolutamente). Nueve reinas de Fabián Bielinsky.

Si acabara de conocer a alguien que ve pocas películas, y quisiera presentarse como es, ¿qué películas lo pondría a ver con usted?

La gran seducción, de Jean-François Pouliot. Esa película resume casi todo lo que me importa de la vida.

¿Cuáles son sus películas malas favoritas, es decir, cuáles son sus principales placeres culposos del cine?

Duro de matar. Nunca me voy a cansar de ver las doscientas vidas que puede perder Bruce Willis sin parar de aniquilar villanos.

¿Por qué no puede dejar de hacer cine? O: ¿por qué no puede dejar de ver cine, de escribir sobre cine, de escribir cine?

En realidad es más larga la pregunta que la respuesta. Es simple: porque el cine es una de las cosas más lindas que conozco en la vida. Leer libros, ver películas y jugar al fútbol. No me pidan que las jerarquice.

Lo mejor del año que se fue

Jan 14, 2013 por Carolina Morales

Una selección muy personal sobre lo mejor que pude ver durante 2012. Películas de todo tipo, una serie de televisión y por supuesto un espacio dedicado al buen año del cine colombiano hacen parte de esta lista. Solo resta esperar que durante este nuevo capítulo de la vida, la magia del cine nos traiga muchos más joyas para no olvidar.

Shame

Shame
Una obra de arte de principio a fin, donde todo está puesto en su sitio en el momento indicado, justo como Steve McQueen sabe hacerlo. Michael Fassbender actúa de manera impecable, ganándose un lugar en la lista de los mejores actores contemporáneos.

The artist

The artist
Esta película es una joya con la que reímos y lloramos. El cuidado de cada detalle, su música y el final, que nos deja sin aliento, son motivos suficientes para sentir que se trata de un regalo para quienes amamos el cine.

Hugo

Hugo
Un homenaje perfecto para George Méliès. Una película hermosa e inolvidable que, como pocas, logra emocionar con igual éxito a grandes y chicos.

Drive

Drive
Acción, pasión, amor, melancolía, tristeza, odio, ira y mucha velocidad. Todo en justas dosis y con la actuación perfecta de Ryan Gosling. Todo lo anterior y su banda sonora, la convierten en uno de los mejores dramas del año.

Ted

Ted
No importa si su humor es muy gringo o si toca aguantarse hora y media a Mark Wahlberg. TED es una comedia delirante, que al final nos deja una que otra enseñanza sobre el valor de la amistad y el respeto. Seth MacFarlane es un genio.

Girls

Girls
Me declaro fan de Sex and the city, sin embargo jamás saldría a la calle vestida como Carrie ni tampoco tendría el dinero para desayunar todos los días en los exclusivos restaurantes de New York. Girls tiene esa dosis de realismo que la hace cercana, íntima y perfecta. Una comedia inteligente, divertida y refrescante.

The dark knight rises

The dark knight rises
Perturbadora, emocionante y con una narrativa perfecta. No hay mucho más que adicionar a todo lo que ya se ha dicho sobre una de las historias mejor contadas en el cine durante 2012.

Moonrise Kingdom

Moonrise Kingdom
Bizarra, colorida y hermosa, una historia donde dos niños se liberan para disfrutar de su primer amor, mientras todos, quizá viéndonos en un espejo, nos burlamos de la tristeza y torpeza que cubre la vida de los adultos.

Argo

Argo
Si una película hace que usted se pare de su silla en la sala de cine sin importarle nada, tiene que estar en la lista de lo mejor del año. Argo es la señal irrefutable de lo que significa el talento de Ben Affleck como director. Sin duda, la mejor película de suspenso del año.

Intouchable

Amigos
Podría repetirla una y otra vez. Reí, lloré y me deleité con la belleza de Omar Sy. Una película para tener en casa y compartir con buenos amigos.

Las acacias

Las acacias
En el cine no se necesitan grandes historias, algunas veces de la sencillez resultan tesoros. Esta película ha recorrido el mundo robando corazones con su sutileza y con su belleza natural y desinteresada.

La sirga

La sirga
Tenía de donde escoger la cuota criolla, pues durante 2012 se vivió un legítimo renacimiento del cine colombiano. Sin embargo me quedo con esta poesía que me robó el corazón y que considero una de las mejores cintas nacionales del año que acaba de terminar. ¡Que se vengan más!